Saison 22-23

Avec 6 chanteur.euse.s et musicien.ne.s Aka et européens

Création 2022 Spectacle du GRRRANIT SN en complicité avec les Scènes du Jura-Scène nationale

Un concert- étonnant, une rencontre inédite entre l’univers musical des Aka, largement connu sous le nom de chants pygmées et celui d’artistes à l’imaginaire florissant et rompus à l’improvisation, réunis autour de l’incroyable vocaliste Leïla Martial et du body-percussionniste Rémi Leclerc

Les chanteurs et percussionnistes du groupe NDIMA, porteur d’une culture ancestrale, et les trois improvisateurs originaires du Sud-Ouest de la France ; sont réunis autour du plaisir de jouer de leurs voix et de leur corps. La spontanéité chantée, jouée et dansée est le terreau de cette rencontre interculturelle placée sous le signe du respect et du dialogue des cultures. Ici, la voix est au centre de l’exploration et devient l’instrument de tous les possibles. On assiste à un joyeux mélange de sons, de vibrations, d’expressions vocales. Il y a dans la rencontre de ces deux mondes comme l’avènement d’une communauté de sons, un « peuple de sons ». Durée : 1 h 15

Vernissage SAMEDI 11 SEPTEMBRE à 18H

A voir du MARDI au SAMEDI de 14h à 18h jusqu'au 20 NOVEMBRE 2021

Michel DECTOR et Michel DUPUY observent, discernent, glanent et échangent, ils sont parfois collectionneurs. Ils se documentent, réfléchissent, se questionnent, débattent et élaborent des hypothèses. Ils prennent parfois la posture de l’anthropologue, du sémioticien1, de l’archéologue voir de l’historien mais surtout ils cultivent une posture d’amateur. Leur champ de recherche est fondamentalement décentré et attentif aux territoires qu’ils parcourent ; il s’exerce essentiellement sur l’espace public urbain, lieu des représentations sociales tant conventionnelles que marginales. Constatant l’impossibilité d’une approche globale de la société, ils se concentrent sur des épiphénomènes2 témoignant d’abandons, d’absences, de luttes... Des objets visibles de tous mais non considérés, des velléités3 graphiques des tags et des slogans de manifestions, des assemblages d’objets incongrus, des traces produites ou involontaires de nos usages d’un espace partagé. Leurs œuvres en conservent le bruit et la fureur, la banalité comme la poésie, sans préjuger de leur signification. Au travers de leurs visites et expositions, par un effet de recadrage, DECTOR & DUPUY visent à souligner leur valeur politique tout en se prémunissant du jugement moral par l’usage de l’humour et de la fiction. Dans des actions à faibles coefficient de visibilité, s’intéressant aux lapsus4 formels, aux métamorphoses fortuites, à l’expression spontanée, on peut recevoir leur production comme une grille de lecture de la société, comme une traduction intelligible du bruissement de la ville et de la cacophonie du vivre ensemble ou comme la formulation d’énigmes articulées opérant par maïeutique5, on peut considérer l’œuvre de DECTOR & DUPUY comme une médiation.* On trouve dans leurs propositions une vision organique de l'espace public et de la communauté humaine, une forme de sagesse de l'habiter. 1. Sémioticien, spécialiste de l’étude des signes et de leur signification. 2. Épiphénomène, événement, objet sans importance. 3. Velléité, volonté qui n’est pas suivit d’effets. 4. Lapsus, emploi involontaire d'un mot pour un autre. 5. Maïeutique, méthode suscitant la mise en forme des pensées confuses, par le dialogue. * Extrait de Que le peuple vainque ! d’Alexandre Bohn, directeur du FRAC Poitou-Charentes Michel DECTOR et Michel DUPUY se sont fondés en duo au début des années 1980, ils parcourent la France et le monde proposant de nombreuses performances qui empruntent formellement et techniquement aux conventions de la visite guidée et parfois aux archétypes de la conférence, l’oralité et l’adresse au public sont un aspect intrinsèque à leur démarche artistique. Ils ont exposé leur travail notamment au Musée des Beaux-arts, Nancy, au FRAC Franche-Comté, Besançon, au CAC du Parc St Léger, Pougues-les-Eaux et au FRAC Poitou-Charentes, Angoulême. https://dector-dupuy.com/

Retransmission sur grand écran en direct des remises des Prix à Besançon depuis notre grande scène : le public de Belfort pourra voter pour le "coup de coeur du public" Le concours est diffusé en direct dans les scènes nationales de Bourgogne-Franche-Comté de Lons-le-Saunier, Vesoul ou directement au GRRRANIT SN. En partenariat avec le Festival International de Musique de Besançon Fondé en 1951 sous l’égide du Festival de musique de Besançon Franche-Comté, le Concours international de jeunes chefs d’orchestre s’est rapidement imposé comme la plus prestigieuse manifestation de sa catégorie. Annuel jusqu’en 1992, il a depuis adopté un rythme biennal.

Pour sa première venue au Festival avec son ensemble sur instruments d’époque, Laurence Equilbey collabore une nouvelle fois avec le pianiste américain Nicholas Angelich, poursuivant ensemble leur exploration du répertoire iconique beethovénien. C'est en 1806 que Beethoven compose d'une traite la Symphonie n° 4, oeuvre enjouée et heureuse laissant percevoir sérénité et une part de mystère. Avec son 3e concerto pour piano, Beethoven marque une rupture avec le modèle mozartien : non content de surenchérir en virtuosité sur l’orchestre, le soliste trouve une place bien plus fondamentale, au service d’une veine nouvelle, pleinement romantique. Festival international de musique de Besançon

Programme: Ludwig VAN BEETHOVEN Concerto pour piano et orchestre n°3 op.37 Symphonie n°4 op.60

Informations : Le pianiste Nicholas Angelich, souffrant, ne pourra pas prendre part aux concerts. Il sera remplacé par David Kadouch. Biographie David Kadouch Né en 1985, David Kadouch se forme auprès de Odile Poisson au C.N.R. de Nice, de Jacques Rouvier au CNSM de Paris, de Dmitri Bashkirov à l’Ecole Reina Sofia de Madrid et se perfectionne auprès de Murray Perahia, Maurizio Pollini, Maria-Joao Pires, Daniel Barenboim, Vitaly Margulis, Itzhak Perlman, Elisso Virsaladze et Emanuel Krasovsly. A 13 ans, il joue au Metropolitan Hall de New York, à 14 ans au Conservatoire Tchaïkovski de Moscou,» en 2005, il est l’invité des Académies de Salzburg et de Verbier (Prix d’Honneur en 2009), puis finaliste du «Leeds International Piano Competition » en 2009. Depuis 2007, il est lauréat de l’ADAMI, de la Fondation Natexis Banques Populaires et également « Révélation Jeune Talent » des Victoires de la Musique 2010 puis « Young Artist of the Year » aux Classical Music Awards 2011. David Kadouch est invité dans de nombreux festivals dont le Festival de musique contemporaine de Lucerne sous la direction de Pierre Boulez, le Klavier-Festival Ruhr, les festivals de Gstaad, Montreux, Verbier, Jérusalem, Aix-en-Provence, Colmar, Deauville, la Roque d’Anthéron, Montpellier, Saint-Denis, Piano aux Jacobins à Toulouse, Folle Journée de Nantes, et en Chine. Il se produit régulièrement en musique de chambre avec ses partenaires Renaud et Gautier Capuçon, Edgar Moreau, Nikolaj Znaider, Antoine Tamestit, Frans Helmerson, Victor Julien-Laferrière, Yuri Revich, Sol Gabetta, Patricia Kopatchinskaja, Michel Dalberto, ainsi que les Quatuors Ebène, Modigliani, Quiroga et Ardeo. Il est également l'invité soliste de nombreux orchestres et se produit notamment avec l’Orchestre de la Tonhalle de Zurich et David Zinman, le BBC Symphony Orchestra et Marc Minkowski, l’Orchestre Philharmonique de Radio France et Myung-Whun Chung, l’Orchestre National de France et Daniele Gatti, l’Orchestre National de Lille et l’Orchestre de la Fondation Gulbenkian avec Jean-Claude Casadesus, l’Orchestre de Strasbourg et Marc Albrecht, le Halle Orchestra et Robin Ticciati, Israël Philharmonic, le Hong-Kong Sinfonietta, l’Orchestre Insula et Laurence Equilbey, l’Orchestre National de Montpellier, l’Orchestre Philharmonique de Marseille, le BBC Scottish Symphony Orchestra et Matthias Pintscher, l'Orchestre Symphonique de Munich, le Vancouver Symphony Orchestra et le Symphoniker Hamburg. David donne de nombreux récitals solo en Europe et ailleurs, dont Evanston, Biel, Bruxelles, Paris, Toulon, Amsterdam, Eijsden, Miami, et en duo avec Edgar Moreau à Vienne, Londres, Amsterdam, Toulouse, Lyon, Nantes, Heilbronn, Clermont-Ferrand, Milan, Heiderlberg, Aix-en-provence, Montpellier, Turin…David Kadouch a enregistré le 5ème Concerto de Beethoven (Naxos), l’intégrale des Préludes de Chostakovitch (TransartLive), un disque Schumann avec le Quatuor Ardeo (Decca/Universal), un disque de musique russe et un récital consacré à Bach, Janacek, Schumann et Bartok (Mirare), un récital en duo avec Edgar Moreau autour de Franck, Strohl, Poulenc, de la Tombelle (Warner – Erato). Dernière parution, un disque "Révolution" (Beethoven, Chopin, Liszt, Debussy, Janacek, Dussek, Rzewski), primé Choc Classica de l'année 2019 et largement salué par la critique.

« LA MARCHE »

C’est un festival itinérant et multidisciplinaire qui voyagera pendant quatre mois le long de la route migratoire des Balkans, depuis la frontière turco-syrienne jusqu’au Royaume-Uni. La marche sera menée par la marionnette géante de la Petite Amal. Son départ est prévu en avril 2021 depuis Gaziantep en Turquie. Amal atteindra la France via la frontière Italienne en début juin 2021.

QUI EST LA PETITE AMAL?

Petite Amal (son prénom signifie "espoir" en Arabe) est une petite fille de 9 ans originaire de Syrie. Elle est représentée par une marionnette de 3,66 mètres conçue par Handspring Company. Elle est à la recherche de sa mère qui l'a précédée et elle symbolise tous les mineurs isolés étrangers en Europe. Que la Petite Amal retrouve ou non sa mère, nous sommes certains qu’elle rencontrera une famille internationale au sein de laquelle elle pourra vivre et s’épanouir.

RRRAP POUR AMAL

Nous avons sollicités les rappeurs, chanteurs, producteurs, beatmaker et réalisateurs de Belfort et sa périphérie, qui ce sont associés sur le projet The Walk pour réaliser ensemble une musique et un clip pour Amal. Vous pouvez assister à leur concert en live : jeudi 30 septembre à 17h : Kioske sur la place d'Armes La première mondiale du clip sera diffusée depuis l'écran géant du GRRRANIT SN (côté savoureuse).

Venez nombreux pour soutenir les artistes de notre Territoire !

ACADÉMIE EUROPÉENNE DES M@RIONNETTES DE BELFORT - BELFORT EUROPEAN PUPPET AC@DEMY

Inauguration de l’Académie tout le week-end au GRRRANIT SN :

VENDREDI 1ER OCTOBRE de 10h à 20h et SAMEDI 2 OCTOBRE de 10h à 20h Le GRRRANIT SN et le Théâtre de Marionnettes de Belfort fêtent leur création commune de la première Académie européenne des M@rionnettes de Belfort proposant aux artistes marionnettistes de nombreuses aides financières, laboratoires numériques et résidences à Belfort et en Europe. RENCONTRE DES ARTISTES DE MARIONNETTES RÉGION & FRANCE VENDREDI 1ER OCTOBRE de 10h à 18h Tout public | GRANDE SCÈNE DU GRRRANIT SN | Entrée libre TABLE RONDE MARIONNETTES & NUMÉRIQUE VENDREDI 1ER OCTOBRE à 18h Tout public | GRANDE SCÈNE DU GRRRANIT SN | Entrée libre

NOMBREUX ATELIERS MARIONNETTES OFFERTS POUR ENFANTS - FAMILLES - ADULTES

SAMEDI 2 OCTOBRE de 10h à 18h

GRATUIT sur réservation : 03 84 58 67 67 - reservation@grrranit.eu

Le GRRRANIT Scène nationale de Belfort et le Théâtre de Marionnettes de Belfort, proposent gratuitement pour la 3^ème journée d’inauguration de leur nouvelle Académie Européenne de M@rionnettes de Belfort  de nombreux ateliers de découverte pour petits et grands.

8 ATELIERS AU CHOIX :

10h à 11h30 - CONSTRUCTIONS D'OMBRES

1h30 | De 5 à 99 ans ! GRRROTTE Animé par le Théâtre de Marionnettes de Belfort Venez découvrir l’univers des ombres. Dans cet atelier, vous serez amenés à dessiner, découper, assembler, décorer vos propres ombres chinoises. Après tout cela, il ne restera plus qu’à mettre en scène le résultat de vos travaux en conditions réelles et d’inventer des petites saynètes. Vous repartirez avec vos créations.

11h30 à 12h30 - INITIATION AU THÉÂTRE D'OBJET

1h | De 10 à 99 ans ! GRRRAND FUMOIR Animé par le Théâtre de Marionnettes de Belfort Partez à la découverte du théâtre d’objet ! Dans cet atelier, vous raconterez une histoire avec comme support le théâtre d’objet. Après quelques notions en théâtre d’objet, nous rentrerons dans le vif du sujet en créant une petite pièce théâtrale autour du thème choisi.

11h30 à 13h - CONSTRUCTIONS DE MARIONNETTES

1h30 | De 6 à 99 ans ! SALLE DE DANSE Animé par la Compagnie Graine de Vie - Laurie Cannac Laurie Cannac, marionnettiste aux multiples talents, organise un parcours ludique pour créer une tête de marionnettes. Un atelier accessible à tous, à faire en famille, entre amis ou pour faire de nouvelles rencontres.

14h à 15h30 - CONSTRUCTION DE MUPPETS

1h30 | De 7 à 99 ans ! PETIT FUMOIRRR Animé par le Théâtre de Marionnettes de Belfort Dans cet atelier, le Théâtre de Marionnettes de Belfort vous proposera la construction de Muppets avec des chaussettes ! Venez fabriquer vos propres marionnettes et les mettre en scène. Vous repartez avec vos créations.

14h30 à 16h - PERFORMANCE ET MANIPULATION

1h30 | De 14 à 99 ans ! GRRROTTE Animé par le Kiosk Theatre Maëlle Le Gall du Kiosk Théâtre présentera la forme courte et intimiste de ses Danses Macabres, une évocation tout en finesse de la mort. Elle vous proposera ensuite d’entrer dans les coulisses de sa création et de vous initier à la manipulation des marionnettes du spectacle.

14h à 16h - CHRORÉGRAPHIES DE MARIONNETTES ET FLASHMOB

2h | De 6 à 99 ans ! SALLE DE DANSE Animé par la Compagnie Graine de Vie - Laurie Cannac Suite de l’atelier « Construction de Marionnettes », Laurie Cannac est accompagnée de Andy Scott Ngoua, un danseur-chorégraphe, pour donner vie aux marionnettes confectionnées le matin. Une association du corps et de la marionnette qui finira dans une joyeuse flashmob.

16h à 17h - CONFÉRENCE DE MONSIEUR LANG : HISTOIRE DE LA MARIONNETTE

1h | Tout public GRRRANDE SALLE Animé par le Théâtre de Marionnettes de Belfort Après 40 ans de passion pour les arts de la marionnette, Jean-Paul Lang, fondateur du Théâtre de Marionnettes de Belfort vous racontera l’Histoire de la marionnette, de l’antiquité à nos jours, sous le prisme de son expérience personnelle.

17h à 18h - MANIPULATION

1h | De 10 à 99 ans ! SALLE DE DANSE Animé par le Théâtre de Marionnettes de Belfort C’est à vous de jouer ! Dans cet atelier, devenez marionnettiste et essayez différents types de marionnettes en conditions réelles. Apprenez quelques bases de la manipulation (gestes, regards etc...) grâce à de petits exercices pratiques. De la création à la manipulation, partagez des moments ludiques en famille ou entre amis, en compagnie d’artistes professionnels. FRANCE - BOURGOGNE FRANCHE-COMTE - EUROPE Rencontre des Artistes et Table ronde Entrée libre | Ateliers Gratuit sur réservation : 03 84 58 67 67 - reservation@grrranit.eu

ACADÉMIE EUROPÉENNE DES M@RIONNETTES DE BELFORT - BELFORT EUROPEAN PUPPET AC@DEMY

NOMBREUX ATELIERS MARIONNETTES OFFERTS POUR ENFANTS - FAMILLES - ADULTES

SAMEDI 2 OCTOBRE de 10h à 18h

GRATUIT sur réservation : 03 84 58 67 67 - reservation@grrranit.eu

Le GRRRANIT Scène nationale de Belfort et le Théâtre de Marionnettes de Belfort, proposent gratuitement pour la 3^ème journée d’inauguration de leur nouvelle Académie Européenne de M@rionnettes de Belfort  de nombreux ateliers de découverte pour petits et grands.

8 ATELIERS AU CHOIX :

10h à 11h30 - CONSTRUCTIONS D'OMBRES

1h30 | De 5 à 99 ans ! GRRROTTE Animé par le Théâtre de Marionnettes de Belfort Venez découvrir l’univers des ombres. Dans cet atelier, vous serez amenés à dessiner, découper, assembler, décorer vos propres ombres chinoises. Après tout cela, il ne restera plus qu’à mettre en scène le résultat de vos travaux en conditions réelles et d’inventer des petites saynètes. Vous repartirez avec vos créations.

11h30 à 12h30 - INITIATION AU THÉÂTRE D'OBJET

1h | De 10 à 99 ans ! GRRRAND FUMOIR Animé par le Théâtre de Marionnettes de Belfort Partez à la découverte du théâtre d’objet ! Dans cet atelier, vous raconterez une histoire avec comme support le théâtre d’objet. Après quelques notions en théâtre d’objet, nous rentrerons dans le vif du sujet en créant une petite pièce théâtrale autour du thème choisi.

11h30 à 13h - CONSTRUCTIONS DE MARIONNETTES

1h30 | De 6 à 99 ans ! SALLE DE DANSE Animé par la Compagnie Graine de Vie - Laurie Cannac Laurie Cannac, marionnettiste aux multiples talents, organise un parcours ludique pour créer une tête de marionnettes. Un atelier accessible à tous, à faire en famille, entre amis ou pour faire de nouvelles rencontres.

14h à 15h30 - CONSTRUCTION DE MUPPETS

1h30 | De 7 à 99 ans ! PETIT FUMOIRRR Animé par le Théâtre de Marionnettes de Belfort Dans cet atelier, le Théâtre de Marionnettes de Belfort vous proposera la construction de Muppets avec des chaussettes ! Venez fabriquer vos propres marionnettes et les mettre en scène. Vous repartez avec vos créations.

14h30 à 16h - PERFORMANCE ET MANIPULATION

1h30 | De 14 à 99 ans ! GRRROTTE Animé par le Kiosk Theatre Maëlle Le Gall du Kiosk Théâtre présentera la forme courte et intimiste de ses Danses Macabres, une évocation tout en finesse de la mort. Elle vous proposera ensuite d’entrer dans les coulisses de sa création et de vous initier à la manipulation des marionnettes du spectacle.

14h à 16h - CHRORÉGRAPHIES DE MARIONNETTES ET FLASHMOB

2h | De 6 à 99 ans ! SALLE DE DANSE Animé par la Compagnie Graine de Vie - Laurie Cannac Suite de l’atelier « Construction de Marionnettes », Laurie Cannac est accompagnée de Andy Scott Ngoua, un danseur-chorégraphe, pour donner vie aux marionnettes confectionnées le matin. Une association du corps et de la marionnette qui finira dans une joyeuse flashmob.

16h à 17h - CONFÉRENCE DE MONSIEUR LANG : HISTOIRE DE LA MARIONNETTE

1h | Tout public GRRRANDE SALLE Animé par le Théâtre de Marionnettes de Belfort Après 40 ans de passion pour les arts de la marionnette, Jean-Paul Lang, fondateur du Théâtre de Marionnettes de Belfort vous racontera l’Histoire de la marionnette, de l’antiquité à nos jours, sous le prisme de son expérience personnelle.

17h à 18h - MANIPULATION

1h | De 10 à 99 ans ! SALLE DE DANSE Animé par le Théâtre de Marionnettes de Belfort C’est à vous de jouer ! Dans cet atelier, devenez marionnettiste et essayez différents types de marionnettes en conditions réelles. Apprenez quelques bases de la manipulation (gestes, regards etc...) grâce à de petits exercices pratiques. De la création à la manipulation, partagez des moments ludiques en famille ou entre amis, en compagnie d’artistes professionnels. FRANCE - BOURGOGNE FRANCHE-COMTE - EUROPE Rencontre des Artistes et Table ronde Entrée libre | Ateliers Gratuit sur réservation : 03 84 58 67 67 - reservation@grrranit.eu

Dans le cadre de l'inauguration de l’Académie tout le week-end au GRRRANIT SN :

VENDREDI 1ER OCTOBRE de 10h à 20h et SAMEDI 2 OCTOBRE de 10h à 20h Le GRRRANIT SN et le Théâtre de Marionnettes de Belfort fêtent leur création commune de la première Académie européenne des M@rionnettes de Belfort proposant aux artistes marionnettistes de nombreuses aides financières, laboratoires numériques et résidences à Belfort et en Europe. RENCONTRE DES ARTISTES DE MARIONNETTES RÉGION & FRANCE VENDREDI 1ER OCTOBRE de 10h à 18h Tout public | GRANDE SCÈNE DU GRRRANIT SN | Entrée libre TABLE RONDE MARIONNETTES & NUMÉRIQUE VENDREDI 1ER OCTOBRE à 18h Tout public | GRANDE SCÈNE DU GRRRANIT SN | Entrée libre

« top »

« La danse a comme outil de prédilection ce que nous avons tous à notre disposition : un corps, fabuleux, possiblement à l’écoute de soi, de l’autre, des autres et du monde … »

« top » est une onomatopée, une injonction, un signal de départ « top » tinte hardiment à l’oreille « top » est un tout petit mot constitué de 3 caractères « top » signifie en haut, encore plus haut, une espèce de sommet « top » est une flèche ; trait d’union entre nadir et zénith « top » est l’ultime nom donné par Régine Chopinot à une pièce qui n’a cessé de changer de nom et de format depuis le début de son existence, en mai 2019, dans le cadre de la Fabrique d’expériences, dispositif porté par Hortense Archambault, directrice de la MC93 - Maison de la culture de Seine St Denis à Bobigny. En attendant que le travail la nomme définitivement la pièce s’est d’abord intituléedeuxzérodeuxun puis deuxzérodeuxdeux puis 2 0 2 2 puis 2 0 2 … et finalement « top ». Avec le temps comme absolu compagnon de route et sous forme de laboratoires de recherche fondamentale et appliquée, c’est ainsi que crée Régine Chopinot en compagnie de ses proches artistiques. Avec des ouvertures régulières au public pour partager l’avancement du travail sous forme d’étapes, toutes aussi importantes les unes que les autres, l’idée est de rencontrer des personnes sans que cela soit des auditions et de travailler sur l’esprit et la résonance des lieux. « top » est une sorte de matrice dansée, jouée, chorégraphiée, constituée de personnes à long cours, une équipe mouvante avec des arrivées et des départs. « top » se souvient de tout, de chaque personne, de chaque lieu, de chaque improvisation. « top » est une sorte d’iceberg ; il est recommandé de ne pas se fier à la partie émergée.

La mécanique du vent - poème mécanique À partir de 18 mois

Jeanne est assise, elle attend le vent. Comme ça, juste pour voir. Voir où il va, voir où il mène et se laisser bousculer. Murmurro l’accompagne, et avec son violoncelle, il nous chante cette histoire. Dans un décor entre fête foraine et cirque, des ventilateurs, des mécanismes et des objets créent un jeu poétique et aérien sur ce qui nous retient et ce qui nous pousse. Qu’est-ce qui bouge en nous quand on est déplacé par le vent ? Qu’est-ce qu’on laisse derrière nous ? Est-ce que tout cela peut se chanter ? Entre émotion et plaisir de la découverte, se laisser porter, lâcher nos terres premières pour s’offrir aux vents et voir ce qu’il adviendra... Entre texte, images, matière, objets scénographiques et musique jouée en live, La Mécanique du vent tisse un lien minutieux entre les éléments, afin de trouver l’endroit où le langage peut prendre plusieurs routes au même moment, où le texte peut s’adresser à certains de manière organique et à d’autres de manière symbolique pour affirmer pleinement cette double adresse à l’enfant et à l’adulte.

Un spectacle sensible et aérien pour les amateurs de grand vent.

Avec ce spectacle, Céline Schnepf poursuit son travail d’invention à l’attention des tout-petits, en explorant tous les possibles du « grandir en plein vent ».

Conçu pour le contre-ténor Serge Kakudji accompagné de quatre musiciens de l’Ensemble Variances, Madrigali est un parcours poétique et musical intimiste du compositeur Gualtiero Dazzi qui crée à son tour ses propres madrigaux. La création musicale sur un livret d’Élisabeth Kaess incorpore trois madrigaux du Septième Livre de Claudio Monteverdi arrangés pour les sonorités modernes d’une combinaison instrumentale très « rock » incluant une guitare électrique, un piano électrique Fender Rhodes et autres sons de synthèse. Des poèmes de René Char – qui cite Monteverdi dans son recueil Lettera amorosa – viennent répondre à ceux des poètes italiens de la Renaissance dans un dispositif scénique sobre constitué de trois « voiles » en papier froissé transparent qu’a imaginé la plasticienne Véronique Thiery-Grenier.

Le projet Madrigali naît d’un désir de partage.

Désir de partager avec Élisabeth Kaess une nouvelle aventure musicale, pour faire résonner notre amour pour la poésie et notre quête commune de la présence d’une émotion profonde, dans l’interstice d’une parole qui se fait chant lyrique. Désir de partager avec Serge Kakudji une aventure musicale et de la bâtir « sur mesure » avec sa voix, en créant une complémentarité vocale et instrumentale entre la composition ancienne et la nouvelle. Désir de partager une nouvelle aventure musicale avec l’Ensemble Variances et son directeur artistique Thierry Pécou, dix ans après le concert monographique Le fond de l’eau est parsemé d’étoiles que nous avions réalisé à Beauvais en 2010. Désir de partager une nouvelle aventure avec Véronique Thiery-Grenier, plasticienne dont le travail artistique, toujours habité d’un compagnonnage fécond avec la poésie et la littérature, viendra habiller de sa discrétion et de sa sobriété l’espace de jeu des musiciens. Désir de composer une œuvre en dialogue avec Claudio Monteverdi, le compositeur qui a réussi de la façon la plus intense la « révolution » de l’intégration organique du texte à la musique, en rendant à cette dernière sa liberté d’être le véhicule de tous les affects et de toutes les émotions. Ceci m’importe tout particulièrement, car : « toutes mes œuvres vocales comportent un texte, et la ligne vocale est composée de façon à rendre le texte intelligible. La voix est chargée d’une musicalité intrinsèque et cette musicalité guide mes choix. Pour moi le plus grand défi technique, dans l’élaboration de ma poétique, consiste précisément en trouver une « vocalité-vocale », tout en composant une musique qui satisfasse pleinement mes exigences artistiques».

Parcours poétique et musical

Alternant « recitar cantando » à des moments chantés où la ligne vocale se déploie en des véritables moments lyriques, la partition de Madrigali cherche à créer une continuité musicale et dramatique et ainsi déployer une certaine forme de « narrativité », par-delà la construction en quatorze stations qui fait s’alterner et se répondre les madrigaux contemporains et baroques. Au-delà de l’amour inconditionnel que je porte à Monteverdi, le répertoire baroque du XVIIè siècle italien met particulièrement en valeur les troublantes qualités intrinsèques de la voix de Serge Kakudji : une étendue vocale exceptionnelle, allant de la chaleur de la voix de baryton à la finesse d’une voix de mezzo-soprano, ainsi qu’une plénitude lui permettant une palette dynamique qui peut rester dans une intimité introspective, mais également remplir l’espace d’une grande salle de théâtre.

Avec l’Ensemble Variances

J’ai la chance et le bonheur d’imaginer et de réaliser le projet Madrigali avec l’ensemble Variances et son directeur artistique Thierry Pécou, dont le travail est profondément habité par tout ce qui caractérise l’essence de l’Homme : la dimension rituelle et le lien aux mythes ancestraux de diverses civilisations. Notre amitié fraternelle nous lie depuis plus de trente ans déjà et c’est pour moi un honneur de partager cet ouvrage avec lui. Gualtiero Dazzi

Horaires et lieux de représentation : Mardi 19 octobre - 20h : Bourogne - Place de la Mairie Mercredi 20 octobre - 9h30 / 14h15 / 20h : Belfort - Place Corbis devant le GRRRANIT SN Jeudi 21 octobre - 9h / 10h15 : Belfort - Parking du Phare Jeudi 21 octobre - 13h45 / 15h15 / 20h : Valdoie - Parking du stade Monceau Tout public à partir de 6 ans

PROJET DE DIFFUSION CULTURELLE EN RÉGION BOURGOGNE-FRANCHE-COMTÉ

L'Enharmonique, association de soutien de l'Ensemble Masques, propose un projet original de diffusion musicale. Le projet porte sur la transformation d'un semi-remorque en salle de spectacle itinérante d'une quarantaine de places qui, dans un cadre intime et adapté, proposera des concerts en dehors de leur cadre traditionnel. Ce projet inclut des éléments techniques - éclairage, sonorisation, écran - qui permettront de présenter des projets de musique de chambre variés et innovants. L’Échappée est un projet inspiré d’une réalisation, l’Opéra-bus, couronnée de succès depuis 2015 et lancée par M. Yannick Lemaire, Directeur artistique de l’ensemble Harmonia Sacra en région Hauts-de-France. Ce dernier obtient des financements publics et privés afin de transformer un autobus en mini-salle de concert mobile qui permet d’accueillir une quarantaine d’enfants ou une trentaine d’adultes, dans un décor recréant l’intérieur d’une loge de l’Opéra Garnier. Cet Opéra-bus sillonne depuis plus de 5 ans les routes de la région Hauts-de-France et propose des concerts adaptés à différents publics : familles, scolaires, Ehpad,écoles de musique, etc. Soucieux de sortir le concert de son cadre traditionnel, Olivier Fortin a imaginé un projet comparable, appliqué à un camion, tout en dépassant le simple concept de mini-salle de concert itinérante. L’Échappée propose une dimension technique originale et ambitieuse reposant sur des systèmes sonores et visuels qui permettront des prestations en condition de « réalité augmentée ». Un tel procédé permettra par exemple de tisser un lien très fort entre la musique et les lieux historiques s’y rapportant. Il offrira également aux « passagers » une immersion complète dans un univers sonore et en images, véritable voyage qui leur fera découvrir la musique dans des conditions qu’une salle traditionnelle de concert ne peut actuellement offrir.

2 programmes pour L’Echappée : 

Récréation musicale - version grand public

En vieillissant, le Roi Louis XIV se détourne des grandes manifestations et des célébrations qui ont assis sa notoriété et sa gloire. Il préfère les concerts intimes donnés par les meilleurs musiciens de la cour. Virtuoses et imaginatifs, ces instrumentistes créent des divertissements ou « récréations », insufflant à la cour un souffle nouveau, nourri par le style italien et les diverses influences du moment.  Version à 3 instruments : Violon , viole de gambe et clavecin. Durée du spectacle : 45 minutes + 15 minutes de découverte des instruments. 

Une journée dans la vie du Roi - version scolaire

Pas si facile d’être roi ! Du lever au coucher, Louis XIV est constamment entouré et sollicité. Impossible de s’habiller ni de faire sa toilette seul… dès qu’il ouvre les yeux, sa journée est réglée comme une horloge Suisse. Et que dire s’il tombe malade ? La médecine n’est pas ce qu’elle est aujourd’hui. Mais heureusement il y a la chasse, la danse et la musique qui lui donnent l’occasion de s’évader ! Version à 3 instruments : Violon, viole de gambe et clavecin. Durée du spectacle avec narration par les musiciens : 45 minutes + 15 minutes de découverte des instruments.

Contact pour les représentations scolaires Caroline DIET projetsenseignement@grrranit.eu

C’est un Génie en feu qui s’installe devant vous, hagard, illuminé mais plus flamboyant encore qu’il ne l’a jamais été.

Jean-Pierre DARROUSSIN

Ce n’est plus un corp qui parle, c’est une âme. Un homme « sans semelles et sans vent » qui invite sur son « Bateau ivre » aussi bien son infirmier que Paul Verlaine, Alfred Jarry, léo Ferré….Comme si, sur un coup de folie, et avant que les derniers feux de la modernité l’accablent lui et ses semblables, Arthur Rimbaud s’autorisait une magistrale leçon de vie. Durée : 1h15

Dans la création 2021 ECHOS le chanteur et rappeur Sly Johnson prête sa voix et son corps au travers du beatbox, aux imaginaires scéniques oniriques de l’auteure et metteure en scène Mathilda May.

Un voyage sensoriel et immersif qui mêle improvisation musicale, performance visuelle et poésie sonore.

« Reflet des désirs enfouis ou des peurs, parfois absurde, bizarre ou drôle, le rêve est une source d’inspiration et une matière première quasiment infinie pour la création. » (Mathilda May) C’est en puisant dans son propre univers onirique que Mathilda May a imaginé Echos, une pièce sous la forme d’un seul en scène pour le rappeur, chanteur et beatboxer Sly Johnson, ancien membre du groupe culte Saïan Supa Crew. Avec pour seul instrument sa voix et un looper, l’artiste entame un dialogue improvisé avec les images créés par le vidéaste et plasticien Mathias Delfau. La vidéo entre peu à peu en symbiose avec la voix du musicien pour dessiner les contours d’un paysage sans cesse mouvant : alternances de gros plans sur le corps endormi de Mathilda May et de scènes évoquant les éléments naturels comme l’eau, la terre ou le vent. Une véritable performance musicale et visuelle inédite et originale, qui embarque le spectateur au cœur de l’intime pour mieux y déceler l’universalité de l’expérience des rêves....

SLY JOHNSON

Rappeur, chanteur soul et beat-boxer de compétition, Sylvère Johnson de son vrai nom, est une figure incontournable de la scène hip-hop française depuis les années 2000. Sous le pseudo de Sly The Mic Buddah, il enregistre trois albums avec le groupe culte Saïan Supa Crew, récompensés par deux disques d’or et une Victoire de la musique. À partir de 2007, après la dissolution du collectif, Sly Johnson entame une carrière solo et collabore notamment avec les chanteuses Dee Dee Bridgewater, Ayo, Camille et Rokia Traoré, avec les trompettistes Roy Hargrove et Erik Truffaz, ainsi que de grandes figures du jazz français comme Sylvain Luc, André Ceccarelli ou Jacky Terrasson. Avec Sylvère (2019), son troisième projet solo, il affirme un univers musical radicalement soul, mâtiné d’électro et d’envolées jazz-funk.

MATHILDA MAY

Mathilda May débute très tôt une formation de danse classique au Conservatoire de Paris avant de se tourner vers le cinéma et le théâtre. En 1988, elle obtient le César du meilleur espoir et le Prix Romy Schneider pour son rôle dans Le cri du hibou de Claude Chabrol. A la suite de sa carrière de danseuse, d’actrice de chanteuse et après un roman paru chez Flammarion, Mathilda May crée en 2013 «Open Space», un spectacle sans paroles dont elle est à la fois auteur, metteur en scène, et compositeur, au Théâtre Jean Vilar de Suresnes. Ce spectacle a été repris en ouverture de saison du Théâtre du Rond Point, puis au Théâtre de Paris avant d’entamer une tournée. Puis paraît chez Plon, son premier récit autobiographique intitulé « V.O ». Récompensé par deux Molières (mise en scène théâtre public, et révélation féminine pour Ariane Mourier), son deuxième spectacle « Le Banquet » a été créé en ouverture de saison du Théâtre du Rond Point, avant d’entamer une première tournée, puis une reprise au Théâtre de Paris. Au même moment a été créé  « Monsieur X » qu’elle a écrit et mis en scène pour Pierre Richard, avec une musique originale signée Ibrahim Maalouf, au Théâtre de L’Atelier. Ce spectacle est également récompensé comme meilleur « seul en scène » aux Molières 2020. Elle a reçu la même année, le prix SACD de la mise en scène.

KDESSA, de son vrai nom Géraldine, est née à Rouen et est originaire de Guinée Bissau. Elle est auteure/compositrice/interprète et débute son parcours musical en participant à diverses compiles aux styles variés rap/trip hop/ électro/afro. Puis, elle chante au sein du groupe de musique africaine Batchass'ko , ce qui lui permet de se rapprocher au mieux de la musique de son pays d'origine.

KDESSA a eu le privilège de présenter ses propres compositions en 2008, pendant la première partie de la chanteuse Zaho, en Normandie.

Déjà produite au Réservoir lors des Brunch Live acoustique ou encore à l'Entrepôt, KDESSA a pu continuer de travailler ses propres compo avec ReksideR, chanteur, musicien, et compositeur notamment de la musique d'entrée de Gad El Maleh, ou encore, de Florence Foresti.

Accueil en résidence de la compagnie Mummenschanz pour sa future création 2023 Directrice Artistique Floriana FRASSETTO avec les 6 interprètes de la Compagnie

MUMMENSCHANZ envoûte le monde entier avec son spectacle «you & me»

Depuis 2016, la troupe de MUMMENSCHANZ présente son nouveau spectacle «you & me» dans le cadre d’une tournée qui fait un tabac en Suisse comme à l’étranger. Le nouveau spectacle de la compagnie de théâtre visuel attire les spectateurs en masse dans les salles de théâtre du monde entier. «you & me» est à la fois amusant, mélancolique, drôle, romantique, épatant, magique, dramatique et passionnant. Sans mot ni musique, cette pièce présente d’une manière inimitable des scènes de la vie quotidienne, divertissant et touchant ainsi des centaines de milliers de personnes dans le monde. Floriana Frassetto est la directrice artistique de «you & me». La poète du silence, qui vit dans la vallée du Rhin, dans le canton de Saint-Gall, a fondé Mummenschanz en 1972 avec Andres Bossard et Bernie Schürch. Aujourd’hui encore, on peut la retrouver chaque soir sur scène avec sa troupe. Sa grande expérience prête au nouveau spectacle un caractère très particulier. Avec «you & me», Floriana Frassetto présente ce qui distingue MUMMENSCHANZ depuis bientôt 50 ans: montrer, sans mot ni musique, seulement avec des gestes silencieux et quelques accessoires, quelque chose qui amuse, touche et fascine. La merveilleuse légèreté du programme «you & me» résonne longtemps après la fin de la représentation!

Chorégraphe: Catherine Diverres avec 9 danseur.euse.s interprètes

Coproduction GRRRANIT SN / Accueil en résidence Faire surgir une forme nouvelle qui témoigne du multiple, du choeur, de la solidarité. Pour rendre vivante cette mémoire essentielle que les danseurs transmettent. Mise à jour d’une écriture chorégraphique contre l’oubli. Reprise d’une pièce du répertoire créée en 2003, Echo est ici remise en jeu. Les mêmes mots divulguent un sens nouveau. Un pan de mémoire collective qu’il s’agit de chambouler ! Réécrire l’histoire, écrire une nouvelle histoire, se donner le plaisir d’un voyage dans le temps, en déjouer le cours, en métamorphoser les effets, ébranler les consciences. Echo est un voyage à travers une dizaine d’extraits de pièces antérieures. Le corpus des danseurs visite une écriture chorégraphique alors mise à l’épreuve. Tenter de suspendre, déjouer le temps. Fondre en une articulation le précipité d'oeuvres passées. "Echo tente de poser et témoigner du noyau d’une écriture : Mouvement & geste, Dramaturgie, Unité, cohésion et singularités par l’énergie des interprètes. Echo raconte la vie. La vie c’est la conscience et la conscience pour un spectateur n’est pas de l’abrutir de divertissements. Kantor disait : « un spectateur doit pleurer, c’est tout ce qui m’intéresse ». Je ne dis pas que je cherche à faire pleurer un spectateur, mais tout du moins à réveiller des émotions, des associations inconscientes. Bernard Stiegler parlait de « courts-circuits ». Echo, par le fait de la transmission témoigne de la vitalité d’un continuum " Catherine Diverrès

Accueil en résidence

Une nouvelle traduction du plus ancien texte littéraire en français dont l'adaptation scénique est une belle occasion de redécouvrir la truculence flamboyante. Turold se lève au chant du coq et se prépare un café en écoutant la radio comme chaque matin, comme tous les matins du monde, depuis l’an 778 jusqu’à aujourd’hui. Turold, l’écuyer de Roland, raconte chaque jour la Chanson de Roland. Son monde ancien, teinté de mélancolie et de fureur, se déploie au présent avec ses poules Suzon et Paulette, son incroyable ânesse Chipie de Brocéliande et ses varlets, complices de sa folie. Le vieil homme revit la bataille de Roncevaux et nous raconte tout à l’avenant la folle vaillance de son maître, la mort d’Olivier, son voyage sur la lune, la recette de l’omelette des Vascons et la fin épique du chevalier Roland au champ de bataille. Aux prises avec ses fantômes, coincé dans un présent perpétuel, Turold nous emporte dans un tourbillon joyeux et poétique, pour nous faire vivre sa chanson de geste et réfléchir sur la démesure du Héros. Retour aux premières sources de la poésie épique française pour Gramblanc. Après Lucky, Richard III ou Dom Juan, le voici aux prises avec un texte fondateur, une épopée mille fois remaniée et mille fois oubliée : le récit de la mort de Roland. Les performeurs médiévaux (jongleurs, troubadours et autres) allaient la chanter dans les pays pour raviver la mémoire des exploits accomplis par les Francs au temps de Charlemagne. Aujourd'hui, vêtu de son pyjama, paré d'un heaume et d’un bâton de bois, Gramblanc s'expose à ces quatre mille décasyllabes composés dans la langue rocailleuse, verte et torrentielle du XIème siècle, ici adaptée pour en favoriser l'écoute sans en perdre la nature. Nous revivons l'action avec lui, que le récit traverse et transporte là où les félons trahissent, là où les chevaliers combattent, là où les héros meurent, là où le roi venge ses vassaux. Soutenu par la musique de Bernard Amaudruz qu’accompagnent les improvisations distillées par Jean-Luc Therminarias, encouragé par l'engagement physique du public convié à prêter main forte au clown enragé, Jean Lambert-wild se rue dans une performance totale concoctée avec Lorenzo Malaguerra où l'économie de moyens amplifie l'expérience singulière et oubliée de la geste médiévale. Car la poésie épique n'est pas composée pour être lue au coin du feu ou dans des manuels scolaires, mais pour brûler par sa profération, et nous tenir en haleine jusqu'à son dernier vers.

Tout public à partir de 9 ans / Accueil en résidence

Pris dans les rais du temps qui passe, le clown Gramblanc nous livre, dans Coloris Vitalis, ses obsessions, ses angoisses et ses passions où la couleur et l’expérience chromatique jouent un rôle obsédant aussi essentiel que dérisoire. Emporté par sa vitalité instinctive, son amour de la vie, sa gourmandise des pigments et ses codes d’honneur chevaleresque, son monde insensé et attachant se dessine peu à peu sous nos yeux, oscillant entre mélancolie enfantine et explosion de couleurs.

BOUM POUR ENFANTS

Discothèque pour les enfants de 4 à 9 ans

Parents à l'extérieur devant un food-truck

Pourquoi devoir attendre d'être majeur.e pour aller s'éclater et danser ? Cette saison, au GRRRANIT SN de Belfort, on propose à nos 4-9 ans d'aller à leur(s) première(s) après-midi discothèque. De la musique, des copains et des copines, de la bonne humeur, et surtout pas de parents ! Mais pas d'inquiétude, on a pensé à tout : pendant que les petits dépensent toute leur énergie, les grands font le plein grâce au food-truck installé sur le parvis.

La discothèque des enfants, c'est 2h de fun pour tout le monde !

Tout public à partir de 10 ans / Accueil en résidence

Chorégraphie : Emilio CALCAGNO avec ses danseur.euse.s

"Pinocchio, en Toscan du XIXe siècle, signifie petit pinon, mais dans la langue du créateur italien, Carlo Collodi, cela signifie « petit crevard ». J’ai grandi avec Pinocchio et la version cinématographique de Commencini. Mais Pinocchio est-il vraiment un conte pour enfants ? Je n’en suis pas sûr. En revanche, ce qui semble évident c’est que les thématiques de ce conte, entre rêve et réalité, mensonge, vérité et manipulation, le rendent extrêmement contemporain. Pinocchio est un enfant sans mère. Il est l’archétype de l’enfant rêvé : désiré par dessus tout et fabriqué sur mesure par son « géniteur » pour combler sa solitude de veuf. Ce conte préfigure les parentalités modernes rendues possibles après la mort ou en l’absence de l’un des deux géniteurs, aux confins de l’adoption et des procréations médicalement assistées. Pinocchio est un enfant improbable, né d’un deuil impossible, celui de Gepetto pleurant sa femme morte prématurément sans lui avoir donné d’enfant. Gepetto, triste et solitaire, sculpte l’enfant que sa femme et lui n’ont jamais eu et souhaite l’éduquer à son image.

Mais comme dans la réalité, rien ne se passe complètement comme prévu.

Pinocchio est un végétal, un arbre qui résonne comme un animal. Il réunit ces deux pôles qui sont en nous. Les métamorphoses qu’il subit sont incontournables pour trouver ça vraie « peau ». Il y a là matière évidente à chorégraphier. À partir du texte de Collodi, il s’agira de trouver la gestuelle adaptée au caractère de chaque personnage. À l’inverse de mes précédentes pièces, la danse se construira dans l’intimité des relations entre les personnages et non par le groupe. Fidèle à ce qui caractérise mes chorégraphies, j’associerai le mouvement à l’image. La camera sera au plus près des danseurs, que ce soit en direct sur le plateau ou par le biais d’images projetées. Tel un œil supplémentaire, elle contribuera à donner du relief aux différents caractères et ira chercher la vérité de l’action dans le détail." Emilio CALCAGNO

Avec cette nouvelle création élaborée en écriture collective, L’iMaGiNaRiuM explore le rapport qu’entretient l’humain avec lui-même, les autres et le monde, s’inspirant très librement d’Ici, roman graphique de Richard McGuire, mais aussi du travail de Baptiste Morizot et Jean-Claude Ameisen, auteurs interrogeant tous, différemment, la place de l'homme dans l'écosystème. Sur scène, peu de mots. Une maison, quelques meubles, quelques plantes, quelques humains, de la lumière : tous sont les acteurs de la pièce. On observe des intérieurs qui ne vont pas cesser de se transformer, le "dehors" qui est là et qui ne cesse de s'inviter, et tout ce monde qui va muter complètement. La pièce se raconte principalement au travers des corps en mouvement, de l'espace en lumière, des sons et de la musique qui se joue en direct, de façon toujours très sensible, et elle se passe d’une narration strictement linéaire. Cette création théâtrale et chorégraphique, traversée par l’espoir et l’humour, suscite ainsi la mise en action joyeuse de la pensée et des émotions.

Note d’intention :

Je m’étonne de faire partie de cette espèce d’animaux qui détruit son nid, le sait, et continue de le faire. Puis je m’inquiète, car je peux le constater au quotidien. Dans chacun de mes achats, de mes repas, de mes gestes. Comment ne pas être tétanisée ? Comment ne pas transmettre cette tétanie ? Je reviens alors à ces mots, qui sont au centre de mon travail : l’imagination comme force politique pour penser autrement. Et au mouvement, pour ne pas s’engourdir et lutter contre la tétanie. Dans notre spectacle, la maison nous donne un cadre, un lieu, celui où l’on vit, que l’on habite, et nous portons notre attention sur ce qu’il s’y tisse comme relations au monde entre humains, mais aussi entre humains et non-humains, ou plus-qu’humains. Dans un lieu qui contient et excède tous les autres, nous observons un petit groupe qui se débat avec cette étrange pratique qu’est la vie, telle qu’elle circule, dérive, fait retour ou nous propulse vers l’inconnu.

Nouvel album The Scope 2021

Voix: Célia KAMLÉNI Manu Katché a été formé au Conservatoire de musique mais il vient naturellement du rock. L’as des baguettes a beaucoup écouté de jazz mais il n’en a finalement pas tant joué. Les pistes musicales se brouillent encore lorsque l’on entre dans son 10ème album, The ScOpe. Car avec ce nouveau disque, Manu Katché réunit les racines du groove et la modernité des machines. La pochette signée Arno Lam le présente d’ailleurs cadré de profil, « un profil africain », précise Manu - l’Afrique est le fil musical subtil du CD. Mais cette statue sensuelle, visage de sel éclairé au néon laser, est prête à s’enflammer, puisque Manu Katché vient aussi de la danse, il l’a pratiquée enfant, il danse dans les clubs, « et puis, jouer de la batterie, c’est utiliser ses quatre membres », analyse-t-il. La batterie est donc au coeur de The ScOpe, un album électro charnel et céleste, frénétique, un chapitre de rupture ou plutôt de prolongement, de plaisir et de renouvellement, ajouté à sa discographie d’expert sollicité entre autres artistes, par Sting, Peter Gabriel, Véronique Sanson. « J’ai composé les morceaux autour de la batterie, et si je joue de cet instrument depuis toujours, ce n’est pas un hasard: mon papa est originaire de Côte d’Ivoire. J’avais envie de voir les gens bouger sur mes compositions, danser, chanter les gimmicks. » Pour s’atteler à The ScOpe, Manu s’est imposé des règles d’écrivain, en studio de 10 à 23 heures, avec des breaks et des tâtonnements, pour apprivoiser la ‘’page blanche’’. « Pendant ces périodes de retraite, je n’écoute pas de musique, je laisse mon esprit vagabonder, aller puiser tout au fond de moi. Ensuite, je contacte des musiciens avec lesquels j’ai envie de travailler. » Les complices de toujours ou les nouveaux arrivants forment le quartet de The ScOpe: Jérôme Regard (basse), Patrick Manouguian (guitare) et Jim Henderson (claviers), producteur de musiques électroniques, invité par Yael Naïm à remixer « Older ». C’est sous son vrai nom, Elvin Galland, que le pianiste et compositeur de 26 ans a réalisé The ScOpe. « Elvin et moi avons mélangé mon expérience de musicien de studio et les siennes, croisé nos influences puisque nous appartenons à des générations différentes même si j’écoute, comme lui, les hériters de Stevie Wonder ou Marvin Gaye, que sont Kendrick Lamar, Anderson .Paak.» Le disque rassemble des polaroïds, des pensées, des mantras : « mes réactions à ce qui m’ennuie ou me choque, ou me transporte. » Avec la volonté de ne pas couper le lien à l’autre, comme le recommande par exemple le morceau Keep Connexion, sur lequel se coule une kora sereine - un solo écrit spécialement pour Kandia Kouyate - qui percute la flamme d’une guitare. The ScOpe vibre du corps à l’âme et inversement, avec un hymne à l’amour lumineux et planant, Let Love Rule, chanté par Jonatha Brooke, la ballade atmosphérique Don’t U Worry (vocal Kayla Galland) ou Glow à la douceur qui pulse. Tandis que Tricky 98' illustre l’ascension de champions - le morceau a accompagné l’entrée des Bleus à la U-Arena, en juin dernier, 20 ans après leur victoire à la Coupe du Monde de football. « Les featurings sont importants car c’est une voix humaine qui interpelle les gens, avec sa singularité et ses découpes rythmiques. » Faada Freddy est ainsi le guest de Vice, réchauffant de ses scansions une ambiance hivernale. Et Jazzy Bazz, pose son flow sur Paris Me Manque, invitation à la nostalgie de ‘’P.Town’’, le Paname d’hier, enveloppé d’un bugle déchirant. Avec The ScOpe, Manu Katché passe ses émotions au microscope, il analyse l’achimie des sons d’une façon pointilleuse et sonde les êtres en profondeur, tendu vers le même élan d’harmonie musicale et spirituelle. Let’s ScOpe it !

EXPOSITION DU SAMEDI 8 JANVIER AU SAMEDI 19 MARS 2022

VERNISSAGE LE SAMEDI 8 JANVIER / A voir du mardi au samedi de 13h à 19h - Création spéciale - Commissariat Richard Castelli - EPIDEMIC

ULF LANGHEINRICH

Né en 1960 à Wolfen (ex-RDA), Ulf Langheinrich étudie le design industriel à Halle puis émigre en Allemagne de l’Ouest en 1984. Il y crée un studio de musique électronique. En 1988, il part pour Vienne, Autriche, où le centre artistique WUK l'accueille en résidence. Une exposition de ses peintures et dessins est présentée à la Kunsthalle Exnergasse en 1990. En 1991, il fonde avec Kurt Hentschläger le duo GRANULARSYNTHESIS, qui réalise plusieurs projets internationaux à grande échelle, parmi lesquels AREAL 1997-2004, FELD 2000, MODELL 5 1994-2007, NOISEGATE 1998 et POL 1998-2008. Le duo se produit en Europe, en Asie, en Amérique du Nord et en Océanie (entre autres : ICA Londres, MAK Vienne, Musées d'art contemporain de Lyon, Montréal et Seoul, Stedelijk Museum Amsterdam, Kunstverein Hannover, ISEA Montréal et Liverpool, ICC Tokyo, Creative Time New York et le Pavillon de l'Autriche à la Biennale de Venise 2001). En 1995, le duo reçoit le Premier Prix ARTEC de la Biennale internationale de Nagoya. Les oeuvres de GRANULAR-SYNTHESIS sont publiées sur plusieurs DVDs, dont REMIX/INDEX (Arge Index / Medienwerkstatt Wien & sixpackfilm) et IMMERSIVE WORKS (ZKM / Cantz). Depuis 2002, Ulf Langheinrich se consacre de nouveau à ses propres projets. Ses oeuvres sont présentées notamment à Barcelone (MACBA 2011, SONAR 2018), Berlin (Martin-Gropius-Bau 2007-2008), Bruxelles (Halles de Schaerbeek 2016), Dresde (Hellerau EZK 2010, 2012 et 2016), Eindhoven (STRP Festival 2009), Gand (Film Festival 2008), Hong Kong (Ouverture du Run Run Shaw Creative Media Centre 2011, ouverture d'ISEA Hong Kong 2016), Madrid (ARCO 2006), Melbourne (ACMI 2005), Montréal (Elektra Festival 2007, SAT 2012-2013 et 2018), Moscou (Red October 2011, Winzavod 2013), Perth (PICA 2007), Rome (Romaeuropa Festival : Palladium 2006, MACRO Testaccio - La Pelanda 2010, Palazzo delle Esposizioni 2017-2018), Rotterdam (DEAF 2004), San Francisco (Recombinant Festival 2016 et 2018), Séoul (Incheon Digital Arts Festival 2010) Shanghai (Zendai MoMA 2006, Shanghai Sculpture Space 2007, Science and Technology Museum 2008, Chronus Art Center 2014, Power Station of Art 2017, Ming Contemporary Art Museum 2018), Taipei (Musée des beaux-arts 2013), Vienne (Wien Modern 2006 et Künstlerhaus 2010), Washington (Hirshhorn Museum et Musée de l'air et de l'espace 2017)... En 2005, il est l'invité spécial du festival Ars Electronica de Linz, avec le soutien de la Fondation Siemens. Il y est de nouveau invité en 2019 avec une commande spéciale, NOLANDX, pour l'environnement Deep Space (double projection 3D 8K) du Ars Electronica Center. Plusieurs rétrospectives lui sont consacrées, au Kunstraum Florenz Bâle 2015, à la Muffatwerk Munich 2017 et au MELT Festival en Allemagne, où il est l'invité spécial de l'édition 2018. De grands festivals de musique contemporaine lui passent commande, comme le Festival d'Art Lyrique d'Aix-en-Provence (SYNTONY 2005), Wien Modern (DRIFT LIVE 2006) ou encore Tonlagen à Dresde (KU 2010). Il est également invité par l'Académie d'été de musique contemporaine de Darmstadt en 2018. Ses dernières compositions acoustiques sont SINKEN II pour ensemble à cordes et RE-TIME pour orchestre symphonique et projection 3D. Il réalise nombre d'oeuvres cinématographiques, parmi lesquelles le film interactif abstrait PERM 2005, spécialement créé pour le dôme EVE de Jeffrey Shaw, suivi d'HEMISPHERE 2006-2016, film hémisphérique soutenu par la Fondation fédérale allemande de la culture et LAND, son premier film stéréoscopique, commande de la Biennale de Liverpool 2008. La même année il coréalise le court métrage SPINTEX avec Gina Czarnecki au Ghana puis conçoit trois films en 3D 360° pour l'AVIE, autre dispositif conçu par Jeffrey Shaw : ALLUVIUM 2010, MOVEMENT Z et MUSIC II 2014. En 2017 il crée LOST, une nouvelle pièce pour le dôme suspendu qui avait été initialement conçue pour son film HEMISPHERE. LOST a la particularité de n'utiliser que des lumières stroboscopiques sans apport d'images projetées. Les deux oeuvres sont aussi présentées, indépendamment de leur dôme dédié, dans les planétariums de Bochum et du Musée de l'air et de l'espace du Smithsonian Institut de Washington, et dans les dômes de la SAT à Montréal et du festival SONAR de Barcelone. La même année, il conçoit GHOST, la troisième oeuvre d'animation liquide pour la MATRICE LIQUIDE 3D (construite en 2014), présentée pour la première lors de l'exposition BODY MEDIA II à la Power Station of Art, siège de la Biennale de Shanghai. Parmi ses autres projets, il compose la musique du spectacle "N" du chorégraphe français Angelin Preljocaj, en tournée de 2004 à 2007. Il signe plusieurs spectacles et installations avec les danseuses japonaises Akemi Takeya (CE_I, WEATHERING 2005-2006) et Toshiko Oiwa (MOVEMENT A 2008, MOVEMENT X et MOVEMENT Y 2010, MOVEMENT B 2011), et plus récemment, avec la danseuse chinoise Luo Yuebing (MOVEMENT C, MOVEMENT Z 2014 et FULL ZERO 2016). En 2015, il crée les images et participe à la conception lumière de l'opéra SOLARIS de Dai Fujikura et Saburo Teshigawara, d'après le roman de Stanislas Lem, au Théâtre des Champs-Élysées puis aux Opéras de Lille et de Lausanne. Pour sa dernière création VORTEX en 2020, un spectacle de danse et images 3D live, il collabore avec la chorégraphe Italienne Maria Chiara de'Nobili. Il est régulièrement sollicité pour réaliser des créations spéciales, entres autres pour l'ouverture de ISEA Hong Kong 2016 au Run Run Shaw Creative Media Centre Theatre et en 2018, le festival Lumiere London lui commande l'oeuvre monumentale OSC-L, pour l'extérieur de la cage de scène du National Theatre de Londres. La discographie d'Ulf Langheinrich compte les CDs DEGREES OF AMNESIA (Asphodel Records), sorti en 1998 et réédité en 2012 par DS-X.org, et IT WOULD HAVE BEEN FANTASTIC, réunissant les compositions sonores de ses installations (DS-X.org, 2012). Le double DVD Visionaries 21: The Aesthetic of Sensory paru en 2013 chez Artfilms (UK-AU) présente ses spectacles et installations créés entre 2002 et 2010. Entre 2003 et 2010, Ulf Langheinrich enseigne les arts médias à l'École supérieure des beaux-arts de Leipzig, à l'Université des sciences appliquées de Salzburg, à la City University de Hong Kong, ainsi qu’au Fresnoy - studio national des arts contemporains à Tourcoing. Il est également artiste conférencier en résidence au RMIT à Melbourne et à l’Université nationale d’art de Hangzhou. Il est invité pour de nombreux colloques aux Etats-Unis, au Canada, en Chine et en Allemagne, entre autres. Il participe au projet éducatif Sup de Sub du collectif LFKs dirigé par Jean Michel Bruyère depuis septembre 2019. De 2016 à 2020, Ulf Langheinrich est directeur artistique du festival CynetArt, Dresde (Allemagne).

tout public à partir de 8 ans

AVANT...

Tout juste après leurs noces, Blanche-Neige se mit à grandir, grandir, grandir et le Prince, lui, se mit à vieillir, vieillir, vieillir. Et à mesure que le Prince vieillissait, il gagnait bataille sur bataille et guerres sur guerres. Et le royaume s’étendait, et le peuple se multipliait ainsi que les nains de la forêt. Les nains de la forêt, eux, travaillaient dur, excavant toutes les montagnes et coupant tous les arbres afin qu’il y ait tous les jours des bals et des banquets ainsi que des armes pour les chevaliers. Puis arriva un jour où il n’y eut plus rien à extraire ni à couper, si bien qu’ il n’y eut plus de bal ni de banquet, ni d’armes pour les chevaliers. Le Prince perdit batailles sur batailles et beaucoup de guerres. Le peuple déménagea alors vers des royaumes plus prospères. Ne reste plus qu’un petit royaume sans joie et sans gibier, veiné de rivières désséchées.

UNE DERNIÈRE FOIS ?

“Un jour, mon Prince viendra…“ Il est venu et… il est resté ! Il a vieilli et Blanche-Neige a grandi, grandi, grandi. Le temps s’est refermé sur eux, et sur Souillon, avec ses nattes blondes et sa trompette, elle qui seule connaît le nom de tous les cent un nains, désormais. Le trio est mélancolique et joyeux. Le Prince clope en cachette. Blanche-Neige pète sans se cacher. Souillon vaque. Parfois ils chantent. Blanche-Neige parle à la Lune. Si elle le souhaite, celle-ci répondra. Ils racontent leur vraie vie aux enfants et tricotent des vrais bonnets pour les nains. Ils s’engueulent. Bottent les fesses de Souillon qui grogne et encaisse. Ils divaguent tout bas et glosent bien fort. Et puis il y a Lèchbott, le nain favori. Celui-là, alors…! Une dernière fois, on croque une pomme. Une dernière fois, on interroge le petit miroir. Et cette fois, le petit miroir répond. Une dernière fois, on rigole bien. Et puis après, on meurt. Souillon rêve de s’en aller pour toujours. Il neige. On en a jamais fini avec les contes. Michel Raskine

En ALLEMAND sur-titré Français --> Mer. 19 janv. 20h En ANGLAIS sur-titré Français --> Jeu. 20 janv. 20h Une création d'Yngvild ASPELI avec ses comédien.ne.s et marionnettistes / Accueil en résidence / Construction des marionnettes à l'ATELIER du GRRRANIT SN Première en France à Belfort / Création 2022 En lien avec l'Académie Européenne des M@rionnettes de Belfort Tout public à partir de 10 ans L'histoire de Dracula a sa propre vie. C’est une histoire qui va bien au-delà du roman. Elle s’extirpe hors des pages et s'emmêle dans l'esprit du lecteur. Il y a quelque chose dans cette histoire qui permet aux gens de se l'approprier. Est-ce le fait qu'il repose sur un mythe qui existe dans presque toutes les cultures du monde? Ou la fascination absorbante pour un anti-héros surnaturel? Ou est-ce simplement parce qu’elle met au jour notre peur ébouriffée de la mort et notre appel à l'immortalité? Ou est-ce quelque chose d'autre, quelque chose qui se cache à jamais dans l'ombre, attendant que quelqu'un l’invite à entrer...? Yngvild Aspeli met en scène ce mythe éternel avec cinq acteurs de l'ensemble du Puppentheater Halle accompagnés d'une foule de marionnettes grandeur nature, d'un troupeau de loups, d'une équipe de chauves-souris et d'insectes qui se glisseront sous votre peau.

Un spectacle sanglant, hilarant, profondément dérangeant et assez étrange, qui vous fera rire jusqu'à ce que vous criiez et crier jusqu'à ce que vous en riiez. Mais surtout, il vous fera aimer la vie.

--- SPECTACLE ANNULÉ POUR CAUSE DE COVID --- Remboursement auprès de la Billetterie. Accueil en résidence / Coproduction GRRRANIT SN Tout public à partir de 14 ans

Home movie pourrait faire partie de ces histoires dans lesquelles la part de conte, quand tout est en jeu, est ce qu’il y a de plus réel.

Dans un espace comme laissé en plan, une espèce d’intérieur pas tout à fait fini ou pas encore commencé, se tient un groupe de gens. Ils sont là pour faire ce qu’il y a à faire et ce qu’il y a à faire c’est «dire ce qu’il y a à dire ». Aucun d’entre eux ne semble propriétaire de la parole. Ils parlent du bonheur d’être là, des atouts de l’endroit, de l’été infini, de porte fermée, de vue incomparable, du rôle qu’ils ont à tenir, de valises bien pleines, de murs infranchissables, de prévisions, d’enfants qui font les pitres, du dedans, et du reste. Le reste c’est le plancher qui vibre, les indiens qui guettent, les bourrasques, la forêt, les léopards, les fantômes, la porte ouverte, le seuil. Et juste au-delà du seuil … les Autres. Arrive alors ce qui devait arriver ou plutôt ce qui avait été imaginé. Home movie est l’inverse de Road movie. Dans cette espace clos que crée l’autrice, chaque protagoniste va petit à petit s’empêcher de sortir, s’empêcher de se sentir libre par peur de tout ce qui l’entoure…

Pour des raisons indépendantes de notre volonté, nous ne serons pas en mesure de vous proposer ce spectacle. Nous le regrettons, mais il se voit donc définitivement annulé. Les spectateurs ayant déjà acheté leurs billets pourront se faire rembourser ou échanger gratuitement leurs places pour une autre représentation de catégorie identique (B) ou inférieure, ou contre un supplément pour les spectacles de catégorie A. Dans le cas d’un échange, nous vous offrirons une place supplémentaire pour le spectacle retenu, quelle que soit sa catégorie. Nous vous remercions de votre compréhension.    

SPECTACLE IMMERSIF COMPOSÉ D'INTERPRÈTES VIRTUELS, LUMIERE, SON ET BROUILLARD

Spectacle pour 100 spectateurs maximum / Spectacle déconseillé aux personnes épileptiques Production: Epidemic - Richard CASTELLI FEED.X est une performance se déroulant dans un environnement artificiel, sans interprète humain en chair et en os. C’est une œuvre viscérale par nature. La version initiale, FEED, a été conçue en 2005 pour la Biennale de théâtre de Venise, avec l'intention d’exprimer une dualité de l'espace réel et de l'espace produit. FEED.X, aujourd'hui, fait moins la distinction sensorielle entre le réel et le simulé, mettant en scène une réalité plus unifiée, quoiqu’encore hybride, où les frontières s'effondrent sans discontinuer. C'est le nouveau réel hybride prothétique : physique mais toujours simulé, naturel mais toujours construit. FEED.X passe par deux étapes en apparence opposées. La première partie, composée d'animations génératives, place le spectateur dans une configuration de prime abord traditionnelle, avec projection frontale. Des personnages en 3D volent et dansent sur l'écran, comme une nuée d'oiseaux sous l'effet d'une drogue, suivant ce qui semble être une chorégraphie semi-autonome et semi-consciente. Ils courent, flottent et se heurtent les uns contre les autres dans un monde mouvant à la gravité instable, chacun émettant un bourdonnement en se déplaçant à travers l’espace. Après vingt minutes, cette chorégraphie virtuelle se transforme en un amalgame d'un autre monde, fait de brouillard artificiel épais, d'intenses éclairs et de lumière stroboscopique, induisant une perte totale de l'orientation spatiale et visuelle. Un paysage sonore numérique-analogique, construit à partir de la réminiscence de motifs visuels et de généreuses sous-basses, accentue l'atmosphère sublimement chargée. FEED.X pointe les limites de la perception humaine, utilisant à la fois privation et surcharge sensorielles, pour immerger son public dans une architecture apparemment infinie, kaléidoscopique, un royaume de purs lumière et son.

CET ÉVÉNEMENT EST DÉFINITIVEMENT ANNULÉ POUR DES RAISONS SANITAIRES. Merci de votre compréhension.

Tout public

2 Laboratoires par jour !

Accueil en résidence / Production GRRRANIT SN / Compagnie Pétrole Tout public Durée : 50min

Le laboratoire du professeur Morel : La défense devant les survivants D'après "L'Invention de Morel" d'Adolfo Bioy Casarès.

Un révolutionnaire se réfugie sur une île déserte. Il découvre qu’elle est habitée par un groupe de personnes qui vit de façon étrange : ils plongent dans une piscine pleine de crapauds, discutent au milieu des vipères, dansent au milieu des ouragans… Lui qui se débat pour survivre dans les marais délétères, trouve le réconfort en regardant Faustine, une jeune femme qui contemple le coucher du soleil. Il prend le risque d’aller lui parler : non seulement elle ne lui répond pas, mais elle agit comme s’il n’existait pas. En s’approchant plus, il découvre que ces personnes sont les sujets de l’expérience du Professeur Morel, l’hôte de l’île. Il a réussi à capturer les présences de ses invités dans des images totales, projetées sur la matière même de l’île. Depuis, leur semaine de vacances tourne en boucle, pour l’éternité. Mais l’invention est trop puissante et a brûlé les originaux. Le seul moyen de rejoindre Faustine est de rentrer, à son tour, dans la machine.

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Devenez metteur en scène le temps d'une soirée !

Pour des raisons indépendantes de notre volonté, nous ne serons pas en mesure de vous proposer ce spectacle. Nous le regrettons, mais il se voit donc définitivement annulé. Les spectateurs ayant déjà acheté leurs billets pourront se faire rembourser ou échanger gratuitement leurs places pour une autre représentation de catégorie identique (B) ou inférieure, ou contre un supplément pour les spectacles de catégorie A. Dans le cas d’un échange, nous vous offrirons une place supplémentaire pour le spectacle retenu, quelle que soit sa catégorie. Nous vous remercions de votre compréhension.

Au-delà de la danse, au-delà du corps, au-delà de l’image…

Tel est le programme ambitieux de ce ballet technologique en trois actes, véritable expérience sensorielle associant mouvement et lumière, corps et pixels. Le procédé réunit Ulf Langheinrich, l’un des créateurs de Granular Synthesis, dont les œuvres, véritables bijoux d’innovation technologique, ont fait le tour du monde, et Maria Chiara de’Nobili, jeune chorégraphe italienne. Ensemble, ils entremêlent les langages de la danse et des stroboscopes, apprivoisent une technologie omniprésente qui cache et révèle la tension des corps pour mieux faire émerger leur poésie. La décharge d’images est puissante, jouant sur les limites de notre perception. La danse s’inscrit sur notre rétine, le mouvement et la lumière gagnent toutes les cellules de notre cerveau. Les corps finissent par disparaître pour laisser la lumière danser seule, au-delà des sens, dans un espace où l’émotion est en prise directe avec la sensation.

Attention images stroboscopiques : spectacle déconseillé aux personnes épileptiques ou photosensibles.

Tout public à partir de 6 ans

Texte de Charles PERRAULT

Jean-Luc Revol a déjà adapté pour la scène le roman jeunesse Thomas Quelque Chose de Frédéric Chevaux (Éditions École des Loisirs). Cette fois-ci, il s’agit d’une commande au même auteur, mais autour d’un titre phare de la littérature enfantine Les 3 petits cochons.

L’histoire, tout le monde la connaît. Elle fait partie de notre imaginaire commun et du patrimoine de notre enfance.

Trois frères Cochons, en âge de quitter le foyer familial, partent découvrir le monde. Chacun décide de gérer cette nouvelle liberté comme il le souhaite. Le premier construit une maison en paille, par facilité. Le second, en bois vermoulu, par radinerie. Le troisième, prévoyant, dessine tout d’abord un plan, puis bâtira la sienne en briques. Jusqu’à l’arrivée du Loup qui va leur causer bien des soucis et tente de les manger, les uns après les autres, avant sa défaite finale.

Concert PIk-Nik reporté au MARDI 22 NOVEMBRE 2022

Par l'U-Topic Trio Durée: 1h U-Topic trio vous propose un mélange de musiques jazz, contemporaine, improvisée, du monde et électronique... Ce collectif vous présentera une création musicale originale autour de tableaux de maîtres présents au Musée d’art moderne de la ville de Belfort. Laissez-vous porter par votre imagination et voyagez d’œuvre en œuvre.

Pour des raisons indépendantes de notre volonté, nous ne serons pas en mesure de vous proposer ce spectacle. Nous le regrettons, mais il se voit donc définitivement annulé. Les spectateurs ayant déjà acheté leurs billets pourront se faire rembourser ou échanger gratuitement leurs places pour une autre représentation de catégorie identique (B) ou inférieure, ou contre un supplément pour les spectacles de catégorie A. Dans le cas d’un échange, nous vous offrirons une place supplémentaire pour le spectacle retenu, quelle que soit sa catégorie. Nous vous remercions de votre compréhension.

Ballet du Nord - CCN de ROUBAIX

Dans cette pièce chorégraphique imaginée par Sylvain Groud et la plasticienne Françoise Pétrovitch, dix jeunes interprètes nous plongent dans les eaux troubles et bouillonnantes de l’adolescence. Des figures mouvantes et complexes s’esquissent sur un décor changeant, à l’image même de cette période marquée par les paradoxes et les métamorphoses. Ce rite de passage entre l’enfance et l’âge adulte s’exprime différemment chez chacun, tantôt par une évidente facilité, tantôt par une violence inouïe. Cependant, malgré son caractère inéluctable, ce moment rituel reste aujourd’hui plus que jamais incompris par cette société qui pourtant en est la matrice. Les êtres en construction se (dé)battent, se font rigides pour ne plus être vulnérables, traversent à grande vitesse des émotions superbes : la joie qui déstabilise, la crainte et l’inquiétude qui brident ces corps peut-être trop pleins d’une énergie foudroyante, la mélancolie latente dans ces esprits qui parfois souffrent à force de lutter contre des monstres intérieurs. L’adolescence fascine, interroge, accuse, et devient ce que l’on a fait d’elle : un moment trouble et essentiel qui façonne ceux que nous sommes.

Tout public à partir de 10 ans - Dans le cadre du Festival International de Marionnettes de Belfort. Elle est marionnettiste, il est musicien, et dans leur cabaret, ne se jouent rien moins que la vie et la mort. La grande machinerie d’imaginaire qu’ils actionnent ressemble en effet étrangement à celle qui préside à nos destinées : ce métier à tisser que les Anciens croyaient aux mains des trois Parques - Tria Fata -, et où les fils de nos vies se tissent, se déroulent et se rompent. C’est ainsi qu’une vieille dame se retrouve aux prises avec la Mort, son heure venue avec celle du spectacle. Afin de reculer un rien l’échéance, celle-là propose à celle-ci de lui déployer en accéléré le panorama de son existence. Et c’est ainsi que le spectateur est amené à considérer toutes les métamorphoses d’une vie exposées devant ses yeux sous une forme dynamique, délirante, insolite, hallucinatoire. De la naissance à la fin en passant par l’enfance et l’amour : jeu, voltige, images, feu – un grand kaléidoscope tourbillonne avant l’extinction, passant d’un seuil à l’autre dans l’éclat de figures improbables. Dramaturgie en poupée russe, où le jeu de la vieille dame s’inscrit dans celui des acteurs, lui-même résultant de celui des Parques ; de telle sorte que la marionnette est présentée ici – et selon le plus saisissant des reliefs - comme un symbole universel d’humanité.

Lorsque Moti, petit mammouth se réveille, il n’a qu’une seule envie : retrouver sa maman. Mais il y a un problème: 5000 ans se sont écoulés et le monde qui l’entoure a quelque peu évolué. C’est le moins que l’on puisse dire… Pour mener à bien sa quête, il va devoir effectuer un long voyage des banquises de l’Arctique jusqu’au plus profond des forêts de l’Afrique. Est-ce vraiment possible de retrouver une maman qui a disparu depuis des millénaires ? L’absence de parents, la famille recomposée mais aussi l’amitié et la persévérance sont les principaux thèmes de cette comédie musicale. La double lecture du spectacle permet aux enfants, mais aussi aux parents, de voyager avec Moti dans cette fabuleuse odyssée.

--- Spectacle tout public dès 12 ans --- Sandrina Lindgren et Ishmael Falke s’interrogent sur la difficulté de raconter un voyage. Ils questionnent le traitement médiatique actuel des migrants et du fossé qui se creuse avec leur “ailleurs” pourtant si proche. Ils utilisent leur corps comme des paysages pour figurines miniatures, dont le parcours chaotique d’exil est filmé en direct avec de mini-caméras. Le duo se joue des échelles, entre le micro et le macro. Traque d’une famille dans des montagnes de genoux par un hélicoptère de la taille d’une boite d’allumettes, errance d’une embarcation de fortune sur une mer de ventres… Ce qui prend les atours d’un jeu d’enfant raconte, sans paroles, les drames ordinaires de milliers de déplacés qui, tous, tentent de sauver leur peau. Durée : 50 minutes

--- Spectacle tout public dès 4 ans --- Une cigogne blessée confie un bébé qu’elle doit livrer en Avignon, à trois compères : un canard idiot, un lapin crétin et un gentil cochon un peu bougon. La mission de ceux-ci: amener le couffin à la bonne adresse. Mais aucun des animaux ne sait comment s’y rendre. Les trois protagonistes vont dès lors improviser au fil de leurs humeurs. Ils élaborent des stratagèmes totalement improbables pour parvenir à leurs fins. La plupart du temps, ils ne font qu’empirer la situation et se retrouvent dans le pétrin. Très vite, les trois compères s’attachent à leur adorable paquet. Ils seront prêts à tout pour livrer le bébé à ses parents. Dans une ambiance à la Tex Avery, le public est emporté comme un ouragan dans ce road movie cartoonesque où la loufoquerie et l’absurdité sont omniprésentes. Durée : 50 minutes Un spectacle à découvrir à partir de 4 ans.

--- Spectacle tout public dès 3 ans --- Quand la bouche de Lova s’ouvre, les mots qui sortent ne sont pas ceux qu’elle voudrait dire. Ça la rend toute rouge et la fait hurler comme un loup. Dans son histoire se cache sa grand-mère, Louve, dont elle ne sait rien ou presque. Comme elle enfant, cette grand-mère aimait jouer au clair de lune et faire rugir son cœur volcan. Pas de demi-mesure, cette petite louve-là voulait faire craquer le silence de la neige et vivre sa vie avec la force d’un torrent. Elle était née comme ça. Elle voulait déplacer les montagnes, changer la couleur du ciel, être ce frisson d’amour tout entier qui nous relie à l’univers. Et puis il paraît qu’un jour, elle n’a plus rien dit. Comme si on lui avait coupé la langue… Pour comprendre le secret qui les relie, Lova plonge dans le pays glacé où vivait cette grand-mère, il y a très longtemps… Dans ce spectacle, les enfants sont poilus, le père-noël est proche de la retraite et les chouettes semblent tout droit sorties d’une comédie musicale. Un conte initiatique où l’on marche sur les traces que la mémoire a dessinées, où l’on veut décrocher la lune au premier coup de foudre, quitte à se brûler les ailes pour un inaccessible cerf… qui parle anglais

--- Un spectacle tout public dès 7 ans --- Un espace blanc, une gigantesque toile de parachute dégonflée… En costume blanc, un dandy se présente…c’est Andersen lui-même… Il semble tellement fatigué. Il se parle à lui-même. Une petite musique lancinante monte lentement, elle devient obsédante. La toile se gonfle d’air chaud. Andersen disparaît sous les gigantesques draps blancs. Il réapparaît et nous invite à le suivre. L’envers du décor. Nous nous glissons sous les pans de toile, de petits bancs nous attendent, l’espace scénique se métamorphose en lanterne géante… les images et les ombres sont projetées au dessus et tout autour de nous. Au rythme d’une ritournelle échappée d’une boîte à musique, le petit soldat affronte une suite vertigineuse d’obstacles au bonheur. Malgré son handicap, il sait gagner l’affection d’un petit garçon, l’amour d’une ballerine, mais il tombe par la fenêtre et tout bascule. Une puissance maléfique se déchaîne : la rue, les caniveaux, le canal, le poisson, les courants d’air et le feu du poêle. Les mécanismes cruels du conte d’Andersen sont magnifiquement respectés. Tout le spectacle suit cette ingénieuse poésie…

--- SPECTACLE ANNULÉ --- Tout public à partir de 12 ans Accueil en résidence

Point de départ de SoundGraphy

Entrer tout d’abord dans un espace noir. La vision ne sera possible qu’après la sensation. Le toucher avant la vue. Permettre à la musique d’accéder à la visibilité grâce à la danse. Si la danse est l’art de la matérialisation de la musique (ou du silence), le dispositif technique révèle leur histoire d’amour. Et de façon corollaire permettre la dématérialisation de la danse au bénéfice de la musique. Mehdi Farajpour SoundGraphy est une performance basée sur la technologie utilisant des capteurs sonores réactifs au mouvement sur le corps des interprètes dans le but d'approcher une nouvelle notion de danse: la danse dématérialisée. Dans SoundGraphy, trois danseurs créent de la musique en déplaçant leur corps (capteurs) dans différentes positions. Sans mouvement, il n'y a pas de son. En d'autres termes, SoundGraphy est une composition musicale collaborative où la danse a une importance secondaire. L'objectif principal est de créer une atmosphère musicale à travers le mouvement. SoundGraphy, est visuellement inspiré par une ancienne forme théâtrale d'Iran appelée Ta'zieh qui a été interprétée par un homme non professionnel et ordinaire comme une pratique religieuse à la mémoire d'un imam martyr. Dans SoundGraphy, les trois danseuses, représentant les trois personnages de Ta'zieh, sont équipés de capteurs sonores reliés par Bluetooth à un logiciel produit spécifiquement pour ce projet. La composition musicale est à créer par les danseuses en fonction de leurs mouvements qui rends chaque représentation unique et différente au niveau de la sonorité.

Texte de Georges FEYDEAU

Production En votre Compagnie - Théâtre de l'Atelier, Paris

Résumé

M. Follavoine, un fabricant de porcelaine, a invité à déjeuner, dans son appartement, un client de marque : Chouilloux, fonctionnaire influent du Ministère des armées qui doit statuer sur l'acquisition par l'Armée française de pots de chambre destinés aux soldats. Il espère emporter le marché, ayant mis au point un système de pots présumés incassables. Pour mettre toutes les chances de son côté, il a invité également Mme Chouilloux et son amant, Horace Truchet. L'infortune conjugale de Chouilloux est en effet de notoriété publique, seul ce dernier ignore la trahison. Mais un événement fâcheux va contrarier les plans de Follavoine. Sa femme, Julie, encore en bigoudis et robe de chambre, vient le trouver dans son bureau pour se plaindre des caprices de leur fils Hervé, dit Toto : ce dernier, qui "n'a pas été" ce matin-là, refuse obstinément d'avaler le purgatif qu'on lui destine. Chouilloux arrive sur ces entrefaites et s'efforce de jouer les conciliateurs, lui-même ayant été soigné naguère pour "constipation relâchée"... mais pas du même type. Tout va se liguer contre Follavoine. Deux pots de chambre lancés à titre d'essai dans le couloir pour impressionner son client vont se briser en mille morceaux. Sa femme excédée par l'attitude peu coopérative du visiteur va le traiter publiquement de cocu. L'arrivée intempestive de Mme Chouilloux et de son amant mettra le comble à la confusion. Follavoine, à bout de nerfs, quitte la maison, laissant en affectueux tête-à-tête sa femme et son fils, qui n'a toujours pas pris sa purge.

Exposition "PORTRAITS" au Musée de la Ville de Belfort - Tour 46

Vernissage SAMEDI 5 MARS à 16h Jusqu'au 7 juin 2022 du mercredi au lundi de 10h-12h30 et de 14h-18h (fermé le mardi)

— Six hologrammes extraits de L'ENFER d'Henri-Georges Clouzot — Real Snow White de Pilvi Takala — Flow de Sumito Sakakibara

Tout public à partir de 6 ans / Accueil en résidence

Hors-les-murs toute la journée dans 2 écoles

Alors que je marchais pensive, visage masqué, à Pékin, au milieu d'un brouillard de pollution irrespirable, le Conte du pêcheur et de sa femme des frères Grimm m'a frappé par son actualité. Très simplement, avec humour et poésie, il parle du désir insatiable de l’humain et de son impact sur une nature qui, épuisée et lassée, finit par lui retirer tout ce qu'elle lui avait si généreusement donné. Or, pendant que je cherchais dans cette voie, l'information sur les prévisions écologiques s'est développée. Je me suis aperçue que les enfants percevaient ces menaces comme une épée de Damoclès au-dessus de leur avenir. Un garçon de onze ans m'a même dit: "On va tous mourir car on ne pourra plus respirer:" Ce nouveau constat m'a fait penser à un autre personnage de conte, Rose d'Epine, la Belle au Bois dormant allemande, enfant-roi très gâtée, mais sur qui plane un sort funeste qui prévoit sa mort à quinze ans. Une fée cependant transmute cette mort en un sommeil de cent ans. Et si Rose d'Epine défiait ce sort en résistant au sommeil? Laurie Cannac JeveuxJeveuxJeveux

Qu'est-ce que grandir et vivre dans un monde où la nature, qui a toujours tant donné, peut aussi d'un coup tout reprendre?

Après de nombreux succès et collaborations, la maestra de la marionnette Ilka Schönbein et Laurie Cannac, marionnettiste, persiste nt et signent l’adaptation de deux contes de Grimm, accompagnées de leur consoeur Erika Faria de Oliveira. Elles continuent ainsi leur exploration des contes de fées qui révèlent nos conflits intérieurs et de ce qu’ils renvoient de notre société. Dans Le conte du pêcheur et de sa femme, un couple a exploité de façon exponentielle les ressources naturelles et se retrouve face à leurs limites et aux conséquences écologiques. Version étrangère de la Belle au bois dormant, Rose d’Epine est une métaphore de l’enfant-roi. Dans ce conte, la plus aimée et la plus gâtée des princesses se voit enfermée par ses parents dans un château avec une épée de Damoclès sur la tête... Tout en finesse, les manipulations poétiques de La Compagnie Graine De Vie nous tendent le miroir magique et malicieux des contes pour y regarder notre humanité en prise avec les bouleversements écologiques et sociétaux. Sur un plateau presque nu, la mise en scène est d’une précision remarquable et les interprétations magnétiques, d’une simplicité rafraîchissante, faisant jaillir la beauté et la poésie de matériaux humbles et de l’épure.

Texte de Jean Cocteau

Un décor qui joue et vient incarner le désordre d’une bourgeoisie décadente et égoïste, une mise en scène projetée à la fin des années 60, une comédie dramatique à perdre haleine.

Michel est un jeune homme choyé par sa mère, Yvonne. Lorsqu’il annonce à ses parents qu’il aime Madeleine, le désespoir s’empare de sa mère, qui craint de perdre son fils, et de son père, Georges, car… Madeleine est sa maîtresse. Le trio vit aux crochets de la tante Léonie, sœur d’Yvonne, qui dissimule depuis nombre d’années son propre amour pour Georges. Léonie va tenter d’ordonner cette tragique comédie de la vie. Christophe Perton met en scène la célèbre pièce de Jean Cocteau qui, écrite en 1948, connue un succès populaire retentissant avant d’être immortalisée au cinéma avec, à la scène comme à l’écran, Jean Marais l’acteur chéri de Cocteau. Tout en restant au cœur de son sujet, l’amour monstrueux et ravageur d’une mère pour son fils, la pièce empreinte les codes du vaudeville et insuffle par la forme même une mécanique théâtrale percutante et des dialogues d’une drôlerie redoutable.

Une comédie dramatique à perdre haleine !

A voir à partir de 15 ans.

VICTOIRE DE LA MUSIQUE CLASSIQUE 2012

« L'éternel recommencement, le cycle infernal de la vie. Imaginer, douter, poursuivre, hésiter, rectifier, créer et recommencer en essayant d'aller encore plus loin. Voici ma vérité, mon secret que je livre enfin au travers des Musiques qui m'ont fait rêver depuis ma plus tendre enfance. Car même si ma facette la plus connue est celle de la Musique Classique, j'ai souvent voulu autre chose. Lorsque l'on se sent étriqué dans son costume, celui que le monde nous invite à porter, il suffit parfois de prendre quelques risques pour que tout devienne possible. Born to Groove c’est avant tout le rêve de créer, transformer, mêler, partager et métisser. Le désir impérieux de vivre toutes les Musiques sans limites, sans frontières, sans crainte du qu'en dira-t-on. Pourquoi se priver de jouer telle ou telle musique au risque d'en rater une autre ; de découvrir un pays ou une culture quand la diversité nous ouvre des voies de partage et de fraternité ? Ce projet porte en lui l’influence des voyages que mon tuba m'offre depuis tant d'années. Impossible d’oublier ma première arrivée à New York ou à Rio de Janeiro en découvrant Corcovado. Mais aussi les Pyramides du Caire, la Medina d'Essaouira, les saveurs de Tokyo, Pékin, Londres, Singapour, Buenos Aires, Hong Kong, Milan, Sao Paulo et toutes ces villes, tous ces endroits, toutes ces scènes, ces rencontres et ces regards croisés... Il m’en a fallu du temps pour faire reconnaître mon instrument et mon univers artistique. J’ai dû traverser des océans de doutes, de réussites et d’échecs… Il aura fallu forcer des portes, convaincre des gens, et continuer, quand personne n’y croyait, à suivre avec passion et sans me restreindre, mon chemin vers la lumière, celui d’un gamin rêveur « Born to Groove ».

POUR DES RAISONS DE SANTÉ DU COMÉDIEN, CE SPECTACLE EST MALHEUREUSEMENT ANNULÉ, IL SERA REPORTÉ SUR LA SAISON 22/23 Mise en scène : Laurent MEININGER / Avec Stanislas NORDEY / Texte : Henri ALLEG Coproduction GRRRANIT SN / Accueil en résidence Tout public à partir de 14 ans

"La Question a été pour moi une rencontre saisissante. C’est un texte très fort qui fut longtemps censuré par l’État Français car il dénonce la torture durant la bataille d’Alger.

Elle fait écho a des émotions qui me traversent depuis longtemps : mon grand-père fut résistant pendant la Seconde Guerre mondiale. J’ai été totalement happé, interpellé par les mots d’Henri Alleg. Certes, il ne s’agit pas de la même guerre, mais la guerre d’Algérie soulève des questions que soulevait également, a peine plus d’une décennie auparavant, la Seconde Guerre mondiale : la torture, la Résistance, la censure… Elle interroge en 1957 sur ces enseignements que notre pays n’a pas su tirer des atrocités subies par son propre peuple entre 1939 et 1945. Si je souhaite faire entendre ce texte, ces mots, cette histoire utobiographique, c’est parce qu’elle parle d’un homme qui reste fidèle a ses convictions ; quel qu’en soit le prix pour lui-même. Cet endroit de la résistance, du courage, de la dignité, de la défense de valeurs fraternelles, m’émeut profondément. La Question indique un chemin qui me semble répondre aux enjeux et combats d’aujourd’hui. Comment combattre ? Quelles sont les nouvelles formes d’oppression ? Qu’est-ce qu’un héros ? Un anti-héros ? Jusqu’où est-on capable d’aller pour défendre un idéal ? Que signifie résister ? Comment réagir face a la peur ? Face a la douleur physique ? Autant de questions brûlantes qui interrogent sur l’actualité de notre monde et sur notre devenir commun. Le monde ne brûle-t-il pas ? Le monde ne hurle-t-il pas ? N’a-t-on pas souvent l’impression que le monde va bientôt exploser ? De quoi avons-nous fondamentalement besoin aujourd’hui au théâtre ? Comment le Théâtre peut-il apporter sa contribution a la réflexion que nous devons vite mettre en place pour sauvegarder nos démocraties ? Autant de questions que je me pose et qui contribuent a mes choix artistiques. Si je mets en scène aujourd’hui La Question, c’est pour délivrer de l’horreur et aller vers la paix. Monter La Question, c’est dire que nous sommes conscients de ce qui s’est passé en Syrie, où la torture fut très utilisée par le régime de Bachar El Assad. C’est aussi Guantánamo, les Blacksites en Turquie et le Chili de Sébastián Piñera… Les exactions des États assassins perdurent. Le recours systématique a la torture par la police, les forces de sécurité, ou les forces armées, en Irak, au Yémen, au Mexique, aux Philippines, au Nigeria, en Ouzbékistan, pour obtenir des informations, arracher des « aveux », punir, menacer, intimider, faire taire les voix dissidentes, conservent malheureusement a La Question son statut de référence internationale. C’est témoigner d’aujourd’hui… Monter La Question, c’est réaffirmer l’importance de nos démocraties dans des temps troubles et défendre nos valeurs de liberté, d’égalité, et de fraternité. Libéralisme, mondialisation, fonds de pension, et j’en passe, contribuent a un monde hostile dans lequel nous vivons et où s’engouffre le pire… Pour défendre nos valeurs, il faut témoigner de ce qui se passe quand elles s’effondrent. Monter La Question, c’est un devoir de mémoire « pour ne pas oublier ». André Salem, le fils d’Henri Alleg, me disait récemment que la reconnaissance par le Président Macron de la responsabilité de l’État français dans la mort de Maurice Audin, arrêté et torturé en même temps que Henri Alleg et par les mêmes militaires français, est probablement une porte ouverte a une forme de reconnaissance de tous les disparus algériens durant la bataille d’Alger. Dans La Question, Henri Alleg affirme que l’endroit où les États s’engouffrent dans un moment de tension extrême comme la guerre d’Algérie n’est en rien l’endroit de la vie ni de la construction. À sa manière, il était ce qu’on appelle aujourd’hui un lanceur d’alerte. Son histoire est vraie, elle dérange, elle crée le scandale. Et malgré la censure dont a été l’objet son livre, plus rien ne fut comme avant." Laurent Meininger

De 20h à minuit ...

Le GRRRANIT SN vous propose pour la première fois une soirée événement avec 2 spectacles de deux grands humoristes: l'une parle de la condition féminine avec délices et l'un se plaint de la condition masculine avec délectation.

Pause entre les 2 spectacles avec foodtrucks saucisses et bières* avec et sans alcool* devant la MAISON DU PEUPLE.

*L'abus d'alcool est dangereuse pour la santé. A consommer avec modération.

Caroline Vigneaux

Mise en scène de Caroline Vigneaux Après avoir « quitté la robe » dans son précédent spectacle, Caroline Vigneaux se retrouve nue comme Eve dans le jardin d'Eden. A son tour, elle croque la pomme, fruit défendu de l'arbre de la connaissance... Et comme elle y prend goût, elle croque à nouveau et tout s'emballe : elle découvre la vérité sur des secrets jamais abordés, et s'installe dans votre ville pour tout vous révéler, quitte à briser des tabous ancestraux !

VERINO : FOCUS [ˈfəʊkəs]

N.m. - Du latin focus : foyer, point où plusieurs choses convergent. ► En photo : mise au point. ► En linguistique cognitive : point sur lequel l’attention se concentre. Tu me diras ce que t’en penses mais je pense que c’est aussi un bon titre pour un spectacle de stand-up… FOCUS c’est simple, conscient du monde dans lequel on vit et concentré pour en sortir ce Tu qu’il y a de meilleur plus marrant. Focus, c’est mon 3e spectacle.

--- SPECTACLE ANNULÉ ---    Accueil en résidence / Tout public à partir de 12 ans

KA-F-KA, c’est l'histoire de la solitude.

La solitude d’un homme confus et perdu dans la routine de sa vie qui tente de se lever un jour, mais se rend compte que, durant la nuit, il s'est métamorphosé en un monstrueux insecte. Malgré son isolement et même une douleur corporelle, il continue de courir et de répéter les gestes qui l’inscrivent encore dans le monde des humains.

Propos Dramaturgie :

KA-F-KA est la performance la plus autobiographique de Mehdi Farajpour au niveau de son esthétique, de son travail sur le mouvement et de l’image. Il s’agit d’une inspiration libre à partir de l’univers visuel de Franz KAFKA en générale et de sa nouvelle “La Métamorphose” en particulier. Comme dans tous les spectacles, Mehdi Farajpour, revendique une approche interdisciplinaire : rester entre les lignes (disciplines) au lieu de les juxtaposer (multi disciplines) et d’entrer dans les cadres respectifs (danse, théâtre ou même performance).

Orchestre de famille à géométrie variable, le Rappoporchestra est né de séances musicales improvisées entre frères et soeurs, cousins, oncles et grands-parents lors de rassemblements familiaux. Naissances, anniversaires, mariages, enterrements, toutes les occasions sont bonnes pour sortir les instruments, danser au son des mélodies russes et klezmer et réveiller les racines d'Odessa.

En 2016, le Rappoporchestra est primé au Concours Musical des Familles.

Depuis août 2017, il poursuit son périple sur les traces de ses ancêtres. D’abord en se produisant au Centre Culturel juif d'Odessa, puis en 2019 en rendant hommage aux Justes du Chambon-­sur-­Lignon (Haute-­Loire) et de Morette (Isère). Deux communes qui, au péril de leur vie, ont caché et sauvé une grande partie de leur famille de 1942 à 1945. Agés de 10 à 76 ans, les musiciens et chanteurs du Rappoporchestra vous emportent au rythme de saynètes poétiques, de musiques et de chants, dans les ruelles d’Odessa en Ukraine, sur les marches de l’escalier du Potemkine, au bord de la mer noire. Le Rappoporchestra a présenté une vingtaine représentations au Centre culturel Mandapa, à la Veille Grille, à la Péniche El Alamein, Centre Medem, des soirées en soutien aux migrants de Malakoff et Audincourt, au Centre d’Art Contemporain de Montbéliard, à a Maison du Val de Meudon, au Centre de Mémoire du Chambon-­sur-­Ligon, à la salle des fêtes de Morette et dans les rues de Paris, la Plagne, chez des particuliers...

------------Spectacle annulé ------------- Avec un ensemble interdisciplinaire de théâtre et de théâtre musical, Holger Schultze se lance dans une recherche de traces et jette un regard détaché et savoureux sur le romantique - hier et aujourd'hui. Avec des chansons, des textes et des reprises connus et inconnus de Clara Schumann et Franz Schubert, Heinrich Heine et Joseph von Eichendorff, Nina Hagen et Manfred Maurenbrecher - et bien d'autres.

Vernissage sam 2 AVRIL 22 à 18h (À voir jusqu’au 25 JUIN 22 du mar-sam : 13h à 19h)

Une figure dont il a fait l’expérience, né au Congo-Brazzaville, il est arrivé en France à l’âge de dix-neuf ans pour poursuivre ses études à Belfort puis à l’école d’art de Metz.

Cette expérience personnelle et sa posture d’explorateur de nouveaux territoires infuse un travail proche de l’autofiction(2), une subjectivité, un regard qui passent par la création d’un personnage central, Kanye, autour duquel se greffent une partie de ses œuvres.

En découlent une biographie fictionnelle, une performance initiatique, qui va de pair avec la conscience que les cultures se construisent par contamination et réappropriation ; une sorte d’étude ethnographique(3) inversée qui se fait à travers l’errance qui nous amène à nous retrouver. Cette subjectivité se déploie par le biais d’une pratique multiple : l’écriture, la création typographique, la performance, la photographie ou encore la sculpture. La narration, l’oralité et le texte étant le fondement d’une œuvre qui investit la forme du livre, devenant pour l’artiste un espace d’exposition et de présentation des questionnements qui l’habitent. Princia ITOUA produit des messages à sens multiples et poétiques, parfois de nouveaux mots. Des concepts qui lui permettent de décrypter les espaces et le monde qu’il traverse et le rapport intime qui se joue avec les êtres qui l’habitent. Ses dernières recherches tentent d’interroger les liens entre le paysage et l’habitant à travers un vaste projet nommé Le Paysitant. Son travail a notamment été présenté dans le cadre de Jeune Création à Houilles, à la Synagogue et à la Médiathèque de Forbach, au Mac Val, dans l’exposition lignes de vies – une exposition de légendes du 63ème Salon de Montrouge, où il fut titulaire d’une résidence aux Ateliers Médicis de Clichy-sous-Bois et Montfermeil. 1. Griot, poète, chanteur de louanges et musicien ambulant et auquel sont souvent attribués des pouvoirs surnaturels. Les griots sont très respectés pour leur grande mémoire, leurs connaissances et leur expertise vocale pour raconter les événements passés et présents, ainsi que pour leur satire et leurs commentaires politiques. Une des principales fonctions des griots et griottes consiste à chanter les louanges des hommes libres. 2. Autofiction, récit mêlant la fiction et l'autobiographie. 3. Ethnographie, étude descriptive des groupes humains qui est historiquement le fait de chercheurs occidentaux

Le chorégraphe Tamir Ginz créé en 2020 RAGE, un spectacle sur la violence qui s’insinue dans nos sociétés. Douze danseurs sur scène mettent les coups en mouvement, les atrocités en situation. La troupe développe une esthétique fluide, où l’individu retrouve à la fois sa singularité et sa fragilité face à l’adversité. Dans RAGE sera développé le rapport au groupe comme source de protection mais aussi foyer de douleurs : il faut s’y conformer pour y appartenir et une violence extérieure pour le maintenir soudé.

Kamea Dance est une des compagnies les plus prestigieuses d’Israël, son directeur Tamir Ginz explore avec un style personnel des pièces avec une forte dimension dramatique.

Formé par Ohad Naharin dans la Batsheva dance Company, il a ensuite été chorégraphe résident au Bat-Dor dance Company avant de créer la Kamea dance Company.   La compagnie à reçu le soutien de l'Ambassade d'Israël en France  

2 comédiens ayant contracté le COVID, malheureusement la représentation est annulée, nous en sommes désolés. Nous vous invitons à contacter la billetterie pour les modalités de remboursement. Merci   TOUS PUBLICS A PARTIR DE 12 ANS

En Allemand sur-titré en Français

Une Lada + deux adolescents inégaux = une grande aventure: l'équation insolite d'un été dans l'est sauvage. Les vacances d'été de Maik menacent d'être les plus ennuyeuses de toute la classe: son père est en «voyage d'affaires» avec la secrétaire et sa mère est en cure de désintoxication encore et encore. La piscine n'est pas non plus amusante en soi. Mais alors Tschick apparaît soudainement. Tschick, en fait Andrej Tschichatschow, le nouveau camarade de classe, le russo-allemand qui vient de déménager avec sa famille. À l'école, Maik n'avait pas remarqué grand-chose de son nouveau camarade de classe. Il ne parlait pas beaucoup, et quand il le faisait, il se faisait un nom parce qu'il s'était de nouveau endormi en classe avec une traînée d'alcool sur la table. La Lada bleue dans laquelle se tient Tschick devant la clôture du jardin a bien sûr été volée. Les deux n'ont même pas de permis de conduire. Mais qu'importe quand le monde vous attend. Destination: Valachie! Wolfgang Herrndorf a remporté un succès sensationnel avec le voyage passionnant à travers la province de l'Allemagne de l'Est et ses deux adorables héros.

REVUES DE PRESSE

La réalisatrice Susane Schmelcher poursuit ses héros « dans une alternance calculée entre tempo et confusion introspective dans leur monde fou de pensées », écrit Eckhard Britsch dans Mannheimer Morgen (16 décembre 2014). Le critique fait état de "jeux de rôle bien conçus". Les deux protagonistes sont composés de deux "types idiosyncratiques", Florian Mania et Martin Wißner : "Les deux se complètent très bien dans leurs différences." Elena Nyffeler joue Isa "agile et variable dans l'expression". "Beaucoup d'applaudissements du public majoritairement jeune." "Tempo, Tempo, Tempo" est le concept de mise en scène de Susanne Schmelcher ; Le "jeune public de la première n'a pas seulement apprécié le film de 100 minutes, mais plutôt" Tschick "- en ligne avec" bonfortionous "", écrit Volker Oesterreich dans le Rhein-Neckar-Zeitung (15 décembre 2014).

Pour cette soirée, le programme présenté et dirigé par Aziz SHOKHAKIMOV sera le suivant : PROKOFIEV, Symphonie n°1 "Classique" MOZART, Concerto pour flûte et harpe BEETHOVEN, Symphonie n°7 Durée 1h50 avec entracte

Avec les 80 musiciens de l'Orchestre Philharmonique de Strasbourg.

Depuis sa fondation, en 1855, l’Orchestre philharmonique de Strasbourg a eu à sa tête des directeurs musicaux illustres parmi lesquels on peut citer Hans Pfitzner (1907-1918), Guy Ropartz (1919-1929), Ernest Bour (1950-1963), Alain Lombard (1972-1983), Theodor Guschlbauer (1983-1997), Jan Latham-Koenig (1997-2003), Marc Albrecht (2006-2011) et, en septembre 2012, Marko Letonja. De Paul Paray à Eliahu Inbal en passant par Karel Ancerl ou Charles Munch, les chefs invités les plus importants ont donné des concerts avec la phalange strasbourgeoise. De nombreux compositeurs ont fait de même : Berlioz, Saint-Saëns, Mahler ou Penderecki, pour n’évoquer qu’eux. Placé sous la direction musicale et artistique d’Aziz Shokhakimov depuis septembre 2021, l’Orchestre philharmonique de Strasbourg – labellisé « Orchestre national » en 1994 – compte parmi les formations majeures de l’Hexagone. Fort de 110 musiciens permanents perpétuant sa double tradition française et germanique, il porte un projet ambitieux autour de la musique symphonique à la portée de tous les publics, avec plus de 100 concerts par an. L’Orchestre aborde un vaste répertoire, du XVIII^e siècle à nos jours, pour lequel il invite des chefs et solistes de rang international mais aussi une nouvelle génération d’artistes qu’il s’attache à promouvoir. Outre son activité propre, il contribue à la saison lyrique et chorégraphique de l’Opéra national du Rhin. Par ailleurs, une vingtaine de concerts de musique de chambre sont programmés tous les ans en plus de l’activité symphonique. Il place le développement des publics au cœur de son projet et propose de nombreux rendez-vous : concerts en famille dans un format adapté, ateliers de découverte des instruments, rencontres avec les artistes, immersions « au cœur de l’orchestre », répétitions ouvertes au public scolaire et étudiant, etc. Il mène également une ambitieuse politique audiovisuelle grâce à de nombreux partenaires médias qui lui assurent une visibilité nationale et internationale. L’Orchestre contribue au rayonnement de Strasbourg, se produisant régulièrement en France et Europe dans les festivals et les salles les plus prestigieuses : Philharmonie de Paris, KKL à Lucerne, Elbphilharmonie à Hambourg, Gasteig de Munich,  Musikverein à Vienne, etc. Il a renoué avec les grandes tournées internationales qui l’avaient dans le passé mené au Japon, au Brésil et en Argentine. En juin 2017 il a donné une série de concerts en Corée du Sud, avec un succès qui lui a valu une réinvitation immédiate pour une prochaine saison. Fort d’une belle discographie, l’Orchestre a créé l’événement en enregistrant deux opus de Berlioz qui font référence : Les Troyens et La Damnation de Faust, unanimement salués par la critique internationale. Il poursuivra ce cycle avec un CD réunissant Les nuits d’été et Harold en Italie, Roméo et Juliette et L’Enfance du Christ. À noter pour la saison 21/22, la publication du très attendu Baritenor avec Michael Spyres (septembre 21) ainsi que des enregistrements d’opus dédiés à Janáček et Prokofiev (Warner).

Paréi-Dolie, c’est un duo belfortin de guitares, une guitare électrique et une guitare folk qui revisitent le blues à la sauce pop. Laurie chante en anglais et Julien ajoute parfois quelques percussions.

Les mélodies sont sensibles, les rythmes tranchants, le style sans concession. Leurs influences vont de Bon Iver à Neil Young en passant par Skip James et Nick Drake. Ils font mieux que de puiser dans diverses racines, ils expriment ce qu’il y a de meilleur en eux avec cette formation sobre où la musique touche directement les spectateurs. Une voix pure et cristalline, qui se mêle aux accords du résonateur. C’est un retour aux sources : le blues, une musique qui touche au fond de l’âme. Mais c’est aussi la guitare électrique et des expérimentations, des influences pop et folk qui enrichissent leurs pérégrinations sonores. Durée: 1h Venez écouter de la musique - apportez votre pique nique (ou achetez le sur place :)

RÉSUMÉ

UBU CABARET Après avoir entrepris de subvertir et d’habiter certains grands textes du canon du théâtre européen, Jean Lambert-Wild, Lorenzo Malaguerra, et leurs collaborateurs s’attaquent à un autre auteur mythique : Alfred Jarry Victime de son succès et de son parfum de scandale, l’œuvre de Jarry s’est fossilisé autour de la figure d’Ubu dans une doxa souvent aux antipodes de l’esprit profondément libre et iconoclaste de l’Œuvre d’Alfred Jarry. Pour « fendre l’ombrelle », comme disait Gilles Deleuze, il faut éclater l’Œuvre prolixe d’Alfred Jarry, et sous les décombres, réinventer un monde où la modernité de sa poésie rencontre celle, décalée et radicale, d’interprètes hors normes. Jean Lambert-wild et Lorenzo Malaguerra réunissent au plateau des drags Queens d’exceptions ainsi que des musiciens, des artistes de cirque et le clown Gramblanc dans cette aventure aux allures de cabaret déjanté. Ces fortes personnalités artistiques aux styles différents ont en commun un engagement poétique total. Magnifiés par la forme du cabaret, le spectacle fait appel à̀ leurs talents variés et singuliers mêlant le jeu, la danse, la chanson, le lipsynch, la comédie et, qui sait, des joutes improvisées à coups de revolvers ou de courses folles à bicyclettes. Telle l’armée des Palotins, la folle équipée d’Ubu Cabaret est composée de Loïc Assemat (La Big Bertha), Laura Bernocchi, Sylvain Duffour (Miss Tampon), Vincent Desprez, Frédéric Giet, Jean Lambert-Wild (Gramblanc), Aimée Lambert-Wild accompagnée du petit Sunset, Jérôme Marin (Monsieur K), Laurent Nougier, Jeanne Plante, et parfois d'autres invités surprises... !

LE CHAPITEAU SE TIENDRA "COMPLEXE SPORTIF DU MONCEAU à VALDOIE"

Le chapiteau a ceci de fort utile qu’il crée cette ambiance si particulière que tout enfant a connu. Il nous permettra en ce sens de combattre l’esprit de sérieux qui peut parfois s’abattre au détour d’une répétition. Le chapiteau renoue en outre avec la troupe, avec l’itinérance, avec l’éphémère du théâtre et bien-sûr avec la fête du cirque et de l’extravagance. La poésie de Jarry, un chapiteau et le Cabaret sont un alliage gagnant !

Tout public à partir de 14 ans CAPITAL RISQUE - de Manuel Antonio Pereira , paru aux éditions Espaces 34

Qu’est-ce que veut dire « réussir sa vie » ?

À la sortie du lycée, un groupe de jeunes de Clermont-Ferrand prend des chemins différents, faisant le choix de leurs études supérieures. Une scission se crée alors entre ceux qui gagnent la capitale pour intégrer de prestigieuses grandes écoles et ceux qui restent en province pour trouver un emploi ou intégrer des écoles ou universités moins renommées. Pour ces jeunes qui peuvent et qui décident de suivre les formations de ces grandes écoles, une seule chose a de l’intérêt : réussir leur vie professionnelle à tout prix en intégrant l’élite de la société française. Mais dans cette obsession de réussite, plusieurs brûlent intérieurement leur capital émotionnel.

Après Berlin Sequenz, Capital risque est le deuxième volet de la trilogie de Manuel Antonio Pereira autour de la jeune génération européenne.

« En tant que psychanalyste et praticien, je me suis rendu compte que les gens sont parfois victimes d’incendie, tout comme les immeubles. Sous la tension produite par la vie, dans notre monde complexe, leurs ressources internes en viennent à se consumer comme sous l’action des flammes, ne laissant qu’un vide immense à l’intérieur, même si l’enveloppe externe semble plus ou moins intacte.» Herbert J. Freudenberg

Une nuit de réflexion collective et de débats…

En collaboration avec Sciences Po - Paris

 Samedi 7 mai 2022 de 20h à minuit Grande salle du GRRRANIT SN  Pauses gustatives en Grand Fumoir (Boissons et en cas payants)   La vérité existe-t-elle ?... La valeur fondamentale de notre quête de vérité ou tout du moins d’informations non trafiquées se heurte à notre besoin d’un récit qui fait sens. Les injonctions et informations contradictoires nous divisent dans des camps aux narrations qui paraissent parfois irrémédiablement inconciliables. Sommes-nous manipulés ?  À quelle vérité se vouer ? L’information est-elle corrompue ? La recherche scientifique est-elle fiable ? Le débat public peut se scléroser et une pensée polémique est parfois vécue comme une trahison, une agression voire même une folie. Autour de ces sujets d’actualité, nous vous convions à dialoguer et à rechercher la vérité en compagnie de nos invités : un philosophe, une militante et sauveteuse, une romancière-essayiste spécialiste du hasard, une enseignante en prise de parole publique en Sciences politiques, des étudiants en Sciences Politiques et la directrice du Grrranit SN. Une soirée intense à vivre en interaction directe avec vous, pendant laquelle vous êtes invités à poser toutes vos questions et à débattre collectivement jusqu’au bout de la nuit, entre des pauses gustatives revigorantes vous permettant de reprendre des forces…. Les Invités de la NUIT DU GRRRANIT : Christian MALAURIE, philosophe, enseigne l'anthropologie de l'art et du design à l'université Bordeaux-Montaigne, au département des Arts, UFR Humanités. Ses recherches portent sur l'image et la médiation. En particulier l’effet de réel et la frontière entre la réalité et la fiction.  Claire SCHMITT est une militante engagée dans la lutte contre le racisme et les violences de genre. Elle a en particulier travaillé à la mise en œuvre de politiques féministes auprès de diverses organisations : associations, Parlements, ministère des Droits des femmes et agences des Nations Unies. Elle est actuellement impliquée en tant que membre d'équipage à bord de navires de recherche et sauvetage en Méditerranée. Anne DUPRAT est essayiste, romancière, professeure de Littérature Comparée à l’Université de Picardie Jules Verne et membre Senior de l’Institut Universitaire de France. Spécialiste de théorie de la fiction et des littératures européennes des XVIe et XVIIe siècles, elle dirige pour l’Agence Nationale de la Recherche un Projet ANR intitulé « Figurations/Configurations artificielles du hasard. Représenter la contingence en Europe » réunissant des spécialistes d’histoire et de théorie de la littérature, d’historiographie, de philosophie esthétique et d’épistémologie autour de l’analyse des représentations du hasard dans l’art, du début de la modernité à nos jours. Delphine LANSON, est metteure en scène, réalisatrice et co-directrice de la compagnie de cirque contemporain Anomalie &. Elle enseigne depuis douze ans la prise de parole en public appliquée à la Politique à l’école de Sciences Politiques Campus Europe-Asie. Eléonora ROSSI, directrice du GRRRANIT Scène nationale de Belfort. Et la participation d’étudiants de Sciences Po Paris sur grand écran.

Le rap de la région bourgogne franche-comté est à l’honneur au GRRRANIT SN !

Green Shop naît en 2012 à l’issue de la saison d’artiste associé de José Shungu à La Rodia (Smac de Besançon). Le mc-chanteur évolue depuis longtemps dans le milieu hip-hop, notamment avec le septet de jazzrap La Cédille dans les années 2000 (Découverte Bourges, FAIR 2006, de nombreuses tournées et festivals en Angleterre, France, Québec, République Tchèque…).  Green Shop mêle le Hip-Hop des 90’s aux racines zaïroises du MC, en passant par la Soul, les musiques latines, le Jazz, et l’Électro. José Shungu propose « son regard sur le monde d’aujourd’hui à travers des textes introspectifs, poétiques, ou teintés d’humour ». Les mots rappés ou chantés sont portés par l’alchimie musicale des trois autres membres du groupe, issus d’horizons divers (France métropolitaine, Chili, Réunion). Composition du groupe : - José Shungu «Le Smoov» : MC & chanteur (La Cédille, Artistes Réalistes) - Aurélien Dudon «Aurélius» : Guitare (La Cédille, Cube Jazz Trio) - Claudio Ibarra «Ibarrabass» : Basse (La Cédille, Matanzas, Cumbia Pirata, Chabada) - Laurent Pirbay «Zo aka La chauve-souris» : MPC & Synthétiseurs (Cotton Claw, Grand Singe, Preacherz, Electrons Libres, Le Retour Du Boogie)  Durée: 1h Amenez votre pique-nique ou achetez-le sur place !

Création 2021

Ils sont huit, en vestes et pantalons noirs, clin d’œil à l’intemporelle silhouette de Josef Nadj.

En leur prêtant son costume de scène, celui-ci engage chaque danseur non pas à marcher sur ses pas, mais au contraire à révéler sa propre singularité. OMMA est avant tout une histoire de partage et de transmission. Dans cette nouvelle création, le chorégraphe d’origine hongroise a constitué un groupe de huit interprètes originaires du Mali, du Sénégal, de Côte d’Ivoire, du Burkina Faso, du Congo Brazzaville et de la République Démocratique du Congo : ce sont autant d’influences, de mouvements, de cultures et d‘histoires qui imprègnent cette pièce. Ensemble ils composent un seul corps – noir ou fekete, comme ils le proclament…en hongrois. Un corps pluriel dans lequel chacun affirme son propre langage, son identité, sa danse : va-et-vient saisissant entre le groupe et l’individu qui nous renvoie irrésistiblement à l’universalité de l’être humain. Un véritable groupe s’est formé : confiance, partage, respect ont irrigué le processus de création, à tel point que le public ne peut ignorer le plaisir et la générosité de chaque interprète, ni l’harmonie qui émane de leur collectif. La force de OMMA réside dans l’engagement du groupe et l’évidence de la pièce qu’ils ont créée ensemble, celle-ci empruntant à chacun d’eux. Pour Josef Nadj, il importait de se concentrer sur les corps et les mouvements afin d’aller à l’essentiel. Ce principe de simplicité s’applique également au plateau, laissé volontairement à nu, ainsi qu’à l’univers sonore composé de souffles, de voix, de silences et d’entêtants rythmes jazz. Sur scène, les corps, les lumières et le son se suffisent à eux-mêmes, sans artifices. De là à évoquer une pièce organique ? OMMA vise manifestement à revenir aux sources de la danse, avec le mouvement comme essence et l’univers pour horizon. Autrement dit, OMMA serait une quête chorégraphique des origines répondant à l’hypothèse émise par Josef Nadj : la danse n’aurait-elle pas surgi avec la naissance de notre humanité ? Et de poursuivre : retourner aux sources de la danse et du mouvement, n’est-ce pas revenir à l’origine de l’univers ? C’est à cette fin que le chorégraphe appréhende la matière que lui donnent ses interprètes pour construire avec eux - et avec leurs corps - une danse commune et plurielle, résolument universelle. Josef Nadj a embarqué ses interprètes dans un voyage aux sources de la danse, où se situe, peut-être, le point d’équilibre de notre univers. Faisant écho au cycle de la vie, cette nouvelle pièce chorégraphique renvoie à l’essentiel : regarder ce qui se passe sous nos yeux pour mieux voir ce qui nous anime au fond de nous-mêmes dans un destin commun. Dès lors, la signification d’OMMA, en grec ancien, devient éclairante : « œil », mais aussi « ce qui est vu ou regardé ». Sans doute peut-on y lire une invitation à conserver nos sens en éveil pour mieux saisir cette danse dédiée à la genèse de notre humanité. Marylène Malbert

Tout public à partir de 12 ans C’est une histoire de famille. Dans leur maison d’enfance, quatre frères et soeurs se retrouvent, invités par leur père, mais lui n’est pas là. Ils en rient un peu, se disputent, s’effraient. Face à cette absence décidément étrange, ils se sentent soudainement seuls, abandonnés dans un lieu inconnu et hostile.

Dans ce même temps, les meubles ont commencé à bouger par eux même, comme si les émotions que traverse la famille étaient transmises à travers les objets.

Dans une physicalité franche et jubilatoire, les corps aussi se transforment, deviennent sensationnels, les relations s’intensifient, se dépassent. A la fin, c’est toute la maison qui est vivante, elle est pleine de soubresauts, de hoquets bruyants, de gargouillis, de spasmes. Et dans ce lieu d’enfance, la maison de leur père, les enfants se sont mis à grandir ... d’un coup.

Avec les 35 danseur.euse.s du Ballet Theater Basel

Création 2022 / Partenariat inédit GRRRANIT SN & BALLET THEATER BASEL Première mondiale à Bâle Tout le monde connaît Heidi. Le livre pour enfants de l'auteure suisse Johanna Spyri a été traduit en cinquante langues. Dans ce ballet, Richard Wherlock retrace l'histoire de la fille amoureuse de la nature. Son Heidi est intemporelle, ce qu'elle vit pourrait avoir lieu il y a cent ans, tout comme aujourd'hui. Une réinterprétation contemporaine du célèbre roman de Spyri par la chorégraphie de Wherlock et la musique de Marthaler et Pauli. Un soupçon de cors des Alpes et de musique folklorique comme écho à la tradition dans une oeuvre actuelle et moderne. Aucune autre figure suisse n'est plus connue, ni plus réussie que la fille de Maienfeld. Des journées d'enfant sans soucis dans l'idylle pastorale des Alpes, un passage forcé dans le monde moderne, de l’industrialisation, et un heureux retour à la maison. L’histoire est a l'image de la transfiguration kitsch et romantique des Alpes. Mais Spyri ne parle pas seulement de l'idylle, elle décrit également la pauvreté et les tensions sociales. Dans le contexte du changement effrayant causé par l'industrialisation rapide, les montagnes sont devenues un lieu de désir pour beaucoup. Le rapport à la simplicité et au Foyer dont on découvre l’importance que lorsqu’on le quitte, le perd ou lorsqu'il est remis en question.

--- SPECTACLE ANNULÉ --- Hamm et Clov jouent. Hamm est aveugle et ne peut pas marcher, Clov ne peut pas s'asseoir. Les deux dépendent l'un de l'autre et ne peuvent s'éloigner l'un de l'autre. La situation désespérée est aussi obsédante qu'ambiguë. Mais comment est-ce arrivé? Est-ce à cause d'une catastrophe ou d'un développement progressif? Quoi qu'il en soit, une limite a été franchie de manière irréversible. Seule la possibilité de jouer donne à Hamm et Clov une certaine distance par rapport à leur situation désespérée.

Avec les comédien.ne.s de la COMPAGNIE SF

Coproduction GRRRANIT SN / Accueil en résidence / Spectacle en extérieur A PARTIR DE 18 ANS DIVERTISSERIE est un zapping incessant de séquences de vie volées dans la rue, des vies qui se croisent, s'agressent, s’abîment, s'aiment et se perdent... Installé comme à un arrêt de bus, le public voit défiler la rue, ses drames et ses absurdités, dans un mouvement continu mis en musique en direct. C'est une sorte de danse macabre réaliste d'où s'élève, en filigrane, la voix de l'artiste qui interroge sa place dans ce flot. Peut-il être utile? L'art peut-il, doit-il être utile?

" Divertisserie est un spectacle. Divertisserie c’est des plumes dans le cul sur le réel.

Divertisserie c’est la tentative d’accrocher des étoiles au-dessus de nos vies, nos misérables et absurdes vies. Divertisserie c’est d’abord un mouvement parce que la rue est un flux, parce que la rue est un mouvement perpétuel. Divertisserie c’est un zapping de moments et de mouvements de rue, volés à même la rue. Divertisserie est un flot, le monde hors de lui, hors de chez lui. Divertisserie est illégale, illicite. Divertisserie est misère, opulence, main tendue et agressivité. Divertisserie est cri, silence, violence, résignation et engagement. Divertisserie est un son, une musique de ce mouvement perpétuel, une symphonie permanente. Divertisserie est une voix qui tente de questionner ce spectacle, de questionner le spectacle." Sébastien Foutoyet

Coproduction GRRRANIT SN / Accueil en résidence

Théâtre avec marionnettes et animaux étranges

Les multigrouillæs aiment la «loupiote» et pour cela, els* puisent frénétiquement dans le sol pour en tirer la quantité nécessaire. Construit de grappes suspendues et de reliefs entremêlées au raz du sol, leur paysage est plein de recoins à découvrir, habité par toutes sortes d’individus : certain·e·s rampent, d’autres grouillent et on en croise parfois qui volètent distraitement autour de leur précieux minerai lumineux. Que deviennent les multigrouillæs lorsque la « loupiote », si précieuse et douillette, devient « grumeau » filandreux ? Un bout de l’histoire de leurs métamorphoses et de celles du paysage qui les abrite se dessine au plateau… Les multigrouillæs se laissent alors rencontrer par petites touches dans la nuit de leur monde souterrain. En les suivant dans leurs trajectoires quotidiennes chamboulées, on découvre leur désarroi à l’intérieur d’un monde qui s’effrite et change sous leur pattes. Els cherchent que faire, où aller, comment apprivoiser leur nouveau paysage à travers des images et des situations aux frontières entre peur, humour et poésie.

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SIX PROFESSIONNELS DU FEU RACONTENT L’HISTOIRE INTENSE ET ARDENTE D’UN MONDE DE MOINS EN MOINS IGNIFUGÉ.

LA PÉTILLANTE ANTONIA, OU L’HUMOUR REDOUTABLE AU FÉMININ, REVIENT DANS UN TOUT NOUVEAU SPECTACLE !

PLONGEZ AU COEUR DE LA RÉVOLUTION SOCIALE CHILIENNE DE 2019 AVEC LES CLICHÉS SAISISSANTS D’ALEJANDRO GALLARD, ALIAS GARY GO.

PENDANT DEUX JOURS, BELFORT VA VIVRE AU RYTHME DE MOVIMENTALE, FESTIVAL OÙ SERONT DIFFUSÉES LES VIDÉOS DE DANSE D’ARTISTES DU MONDE ENTIER : UN JURY DU PUBLIC SÉLECTIONNERA LES MEILLEURS DANSEURS ET LEUR REMETTRA LE 1ER PRIX.

PERSONNAGE INSATIABLE ET NAÏF, BIEN CONNU DES ENFANTS, PINOCCHIO, PLUS HUMAIN QUE JAMAIS, REVIENT DANS UN OPÉRA DE CHRISTOF DIENZ DEPUIS VIENNE.

DU ROCK, DE LA DANSE ET DES TRANSFORMATIONS POUR RENDRE HOMMAGE À L’UN DES DERNIERS MOUVEMENTS CONTESTATAIRES DE LA MUSIQUE MODERNE.

MUSIQUE POUR LES ENFANTS, FOOD-TRUCK POUR LES PARENTS! 2H DE FUN POUR TOUT LE MONDE !

PETITES ET GRANDES LÉGENDES DU SPORT RACONTÉES PAR GÉRARD HOLTZ, LA LÉGENDE DU JOURNALISME SPORTIF !

AMENEZ VOTRE PIK NIK ET ASSISTEZ AU CONCERT JAZZ ÉLECTRO DE L’U-TOPIC TRIO.

ROMANTIC DISASTER LIE PERFORMANCE, VIDÉO, DJ SET, MOTS ET MUSIQUE ET QUESTIONNE LA FIN DE L’HUMANITÉ ?

LE COMPOSITEUR FRANÇAIS CRÉÉ ICI UNE OEUVRE COMPLÈTE DE THÉÂTRE, DANSE SOUFIE ET MUSIQUE ORIENT OCCIDENT, UNE OEUVRE ENVOÛTANTE ET TELLURIQUE ADAPTÉE DES VERS DE DJALÂL AD-DÎN RÛMÎ ET PAUL CLAUDEL, UN SPECTACLE COMPLET D’ÉLÉVATION, UNE TRANSE… ET PLUS ENCORE.

AUSSI ÉMOUVANT QUE NÉCESSAIRE SUR NOTRE RAPPORT À L’AUTRE, TRAVERSES NOUS PLONGE AVEC UN SOUPÇON D’HUMOUR DANS UNE VÉRITABLE RECONQUÊTE DE SOI.

AU COEUR DE CETTE PERFORMANCE DE DANSE LAISSANT PLACE À L’IMPROVISATION, L’ADHÉSIF HABILLE UNE RENCONTRE INVENTIVE, GÉNÉREUSE ET COLLECTIVE !

L’HYPERDUO ITALIEN AUX PERFORMANCES LIVE SURRÉALISTES FAIT UNE HALTE AU GRRRANIT LE TEMPS D’UNE EXPÉRIENCE UNDERGROUND CAPTIVANTE.

POUSSEZ LA PORTE DU KLUB TAÏGA, UN ESPACE DESTINÉ AUX CONTRE-CULTURES, DANS LEQUEL LES CORPS DANSENT ET BOUGENT ENSEMBLE.

LES MUSICIENS DE L’ORCHESTRE DIJON BOURGOGNE PROPOSENT UN FORMIDABLE PROGRAMME DE MUSIQUE D’ARGENTINE DU COMPOSITEUR ASTOR PIAZZOLA AUX ENFANTS DES ECOLES DE BELFORT.

AVEC CETTE MUSIQUE RAPIDE ET GAIE, WILLIAM SABATIER NOUS PLONGE EN L’ESPACE DE DEUX TEMPS DANS LES FAUBOURGS DE BUENOS AIRES.

LE METTEUR EN SCÈNE SUISSE CHRISTOPH MARTHALER REVISITE L’UN DES DESSERTS LES PLUS TYPIQUES D’EUROPE AVEC DÉLICE ET DOIGTÉ.

BUS GRRRANIT SN POUR A/R  MULHOUSE POUR CE SPECTACLE.

BESTEMMIA D’AMORE, OÙ LES MOTS DEVIENNENT MUSIQUE ET OÙ LA MUSIQUE DEVIENT COLÈRE ET TENDRESSE

PORTÉE PAR LA DANSE ET L’IMAGERIE COMPLEXE DE PASOLINI, PIETAS INTERROGE DE MANIÈRE IMPOLIE LA GRÂCE ET LA PITIÉ DANS NOS SOCIÉTÉS.

C’EST L’HISTOIRE D’UNE PASSION, D’ABORD CONTRARIÉE PUIS FINALEMENT RÉCOMPENSÉE ET SUBLIMÉE, ENTRE DEUX ÊTRES IMPARFAITEMENT SINGULIERS

L’ARTISTE MARIE MAILLARD INTERROGE LA PLACE DU VIRTUEL DANS NOS VIES

UNE PIÈCE OÙ SE MÊLENT POLITIQUE ET INTIME, SACRÉ ET PROFANE, QUI TRAITE AVEC HUMOUR DE LA QUESTION DU DEUIL.

DES DANSEURS ITALIENS ET FRANÇAIS TÉMOIGNENT DES CONTRASTES ET DES RICHESSES D’UN SUD DE L’ITALIE SANGUIN ET D’UNE SICILE INSOUMISE.

ÉCOUTER NEAPOLIS ENSEMBLE, C’EST EXPLORER LES RACINES DE NAPLES POUR SAVOURER UN TRÉSOR CACHÉ SOUS SES PALAIS BAROQUES.

LA PLUS CÉLÈBRE ARTISTE MARIONNETTISTE YNGVILD ASPELI ET SA COMPAGNIE DE MARIONNETTES NOUS PRÉSENTENT LEUR TOUTE DERNIÈRE CRÉATION RÉALISÉE
EN ALLEMAGNE ET EN NORVÈGE ET JOUÉE ICI EN FRANÇAIS.

AVENTURES, AMOUR ET HÉROÏSME : ENZO MANCUSO FAIT REVIVRE AVEC VIRTUOSITÉ LA TRADITION DES MARIONNETTES SICILIENNES AU GRRRANIT SN !

LA CAPITALE DU SUD DE L’ITALIE REMET EN SCÈNE LA FAMILLE CUPIELLO À TRAVERS LE THÉÂTRE DE FIGURES.

ET SI NOTRE MONDE MODERNE, QUI CROIT TOUT RÉSOUDRE PAR LA SCIENCE, N’AVAIT FAIT QU’OUVRIR UN ESPACE AUX DISPARUS ?

UNE PIÈCE BOULEVERSANTE, UN SPECTACLE CORROSIF ET PUISSANT !

Frédéric R. Fisbach fait appel à Samuel Gallet, écrivain et dramaturge, qui réalise l’adaptation théâtrale du roman

LIKE ME EST UN SPECTACLE IMMERSIF EN PISCINE, UNE EXPLORATION DE L’INTIME, UNE ODE AU CONQUÉRANT DE L’IMPOSSIBLE

UNE GRANDE SOIRÉE DE DÉBAT QUI APPELLE À LA RÉFLEXION CONCRÈTE DU RESPECT DE LA PLACE CULTURELLE, SOCIALE, PROFESSIONNELLE ET ÉCONOMIQUE DE TOUTES LES FEMMES DANS NOS SOCIÉTÉS EUROPÉENNES ET AU-DELÀ.

JONGLEURS, ACROBATES, DANSEURS, CONTORSIONNISTES : CHAIR ET OS EST UN SPECTACLE DE CIRQUE D’ANIMAUX SANS ANIMAUX !

PAR LA VIDÉO, LE THÉÂTRE ET LA DANSE, CABARET COLETTE PROPOSE UN VOYAGE AU COEUR DES LIBRES PENSÉES DE LA ROMANCIÈRE FRANÇAISE.

APRÈS LES CONTES CHINOIS, FRANÇOIS ORSONI ET CHEN JIANG HONG SE RETROUVENT POUR CRÉER LE PETIT GARDE ROUGE, UN VOYAGE SENSORIEL DESSINÉ EN DIRECT SUR SCÈNE.

DANS UN VOYAGE MUSICAL AUTOUR DE CAR/MEN, NEUF HOMMES SUBLIMENT LA LIBERTÉ INCARNÉE PAR LA CÉLÈBRE BOHÉMIENNE

AUCUNE IDÉE EST UN SPECTACLE JOUISSIF, PORTÉ PAR LE MARIAGE DE DEUX GRANDS ENFANTS DE LA SCÈNE, CHRISTOPH MARTHALER ET GRAHAM F. VALENTINE.

KEYVAN CHEMIRANI MÉLANGE AVEC AUDACE ET GÉNÉROSITÉ LA SCIENCE DES MÉTRIQUES INDIENNES ET LA CULTURE OCCIDENTALE DU JAZZ.

QUI DES FRANÇAIS OU DES ANGLAIS S’EST FAIT ROULER DANS LA FARINE DE LA PROPAGANDE HISTORIQUE ? POUR LE DÉCOUVRIR, LE BOB ET LE VÉLO THÉÂTRE REVIENNENT LÀ OÙ TOUT A COMMENCÉ…

UNE INTRIGUE SULFUREUSE DONT SE SERAIT RÉGALÉ MUSSET S’IL S’ÉTAIT ABONNÉ AUX PLATEFORMES DE STREAMING.

LE GRRRANIT SN À PROPOSÉ À L’ORCHESTRE DIJON-BOURGOGNE D’INVENTER UN PROGRAMME SPÉCIAL ITALIE : LES MUSICIENS DE L’ORCHESTRE ET LE VIOLONISTE ALBANAIS TEDI PAPAVRAMI NOUS EMMÈNENT DANS UNE EXCURSION MUSICALE, BRILLANTE ET DÉLICATE EN DIRECTION DE L’ITALIE !

RESTEZ AU BUREAU : LA MUSIQUE ITALIENNE VIENT À VOUS ! POUR UNE PAUSE MUSICALE ENTRE VISIOCONFÉRENCES ET PHOTOCOPIES !

VENU TOUT DROIT DE LA VILLE ÉTERNELLE, FOLCAST SE DÉMARQUE PAR SA POP ÉNERGIQUE, TRANSVERSALE ET UNIVERSELLE.

DEUX JOURS AVANT DE JOUER LES RITALS, BRUNO PUTZULU FAIT LA LECTURE DE SON LIVRE « JE ME SUIS RÉGALÉ », ÉCRIT AVEC ET POUR FEU PHILIPPE NOIRET

LE RÉCIT DRÔLE ET ÉMOUVANT DE L’ENFANCE PITTORESQUE D’UN PETIT ITALIEN IMMIGRÉ DEVENU ÉCRIVAIN CÉLÉBRÉ.

MUSIQUE POUR LES ENFANTS, FOOD-TRUCK POUR LES PARENTS ! 2H DE FUN POUR TOUT LE MONDE !

LAISSEZ-VOUS GUIDER PAR CE VOYAGE INTÉRIEUR, CETTE INVITATION AU LÂCHER-PRISE ET SUIVEZ LA MUSIQUE, MAGIQUE !

UN TEXTE POIGNANT SUR LA TORTURE EN ALGÉRIE, BASÉ SUR DES FAITS RÉELS VÉCUS PAR L’AUTEUR HENRI ALLEG.

LE GRRRANIT SN SOUTIENT LA CRÉATIVITÉ DES ARTISTES EN ARTS VISUELS ET NUMÉRIQUES AU TRAVERS DU LANCEMENT D’UN PROGRAMME DE SOUTIEN ANNUEL DE RÉSIDENCE/EXPOSITION INTITULÉ : « BOURSE ARTS ET CULTURES NUMÉRIQUES GALERRRIE DU GRRRANIT SN ».

QUATRE TÊTES CHANTANTES EN CÉRAMIQUE DIFFUSENT UNE COMPOSITION MUSICALE PLANANTE QUI INVITE À L’INTROSPECTION. UN ENVIRONNEMENT SONORE IMMERSIF, POUR SE LAISSER ALLER, LÂCHER PRISE DANS SA CHAISE LONGUE, ET VOIR OÙ LE VOYAGE VA MENER…

UN REGARD TENDRE SUR UNE ENFANCE EM – PREINTE D’UNE SOCIÉTÉ OÙ LA VOIE PRÉDESTI – NÉE N’EST PAS TOUJOURS CELLE DÉSIRÉE.

DANS UN MÉLANGE EXPLOSIF DE RÊVES BRISÉS ET DE FRUSTRATIONS, LES PERSONNAGES DE TCHEKHOV VIVENT UNE CHORÉGRAPHIE ÉMOTIONNELLE, UNE DANSE CRUELLE ET BOULEVERSANTE.

EQUINOCTIS MET EN SCÈNE NOUS SOMMES LE VENT ET INTERROGE PAR UNE POÉSIE ÉQUESTRE NOS RAPPORTS HUMAINS.

PIERRE THILLOY NOUS PROPOSE ICI UNE RÉÉCRITURE INÉDITE ET ORIGINALE EN REGARD DE L’ŒUVRE MUSICALE PIERRE ET LE LOUP DE SERGE PROKOFIEV.

CHEZ LA MIGRATION, TOUT EST QUESTION DE MOUVEMENT. UN MOUVEMENT QUI PORTE UN REGARD SUR LE PAYSAGE, UN AUTRE POUR ENTREVOIR LA LIBERTÉ.

LANCEMENT DE SAISON 23-24

VENEZ FÊTER LA MUSIQUE À LA COOPÉRATIVE SN DANS UNE  AMBIANCE ENDIABLÉE AVEC DJS ET RAPPEURS DE BELFORT ET DE LA RÉGION !